3-2-.ESCULTURA - arteenelvalle

I.E.S. Valle del Ambroz Historia del Arte 2º Bach.

Manuel Torres Zapata

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3-2-.ESCULTURA En Grecia se descubre el valor estético de la escultura, son objetos que atraen por su propia belleza, aunque tengan un contenido religioso añadido. Surge un sentido autónomo del arte. La tarea del escultor va a ser reproducir la naturaleza, y la evolución del arte viene marcada por ese acercamiento a la realidad. Partiendo de un arte casi abstracto se llega a un arte tremendamente realista en los últimos momentos. Pero el realismo griego no se inspira en la individualidad, sino que lo que intenta representar es un modelo universal. El realismo griego es un realismo idealizado, ya que buscan las características ideales del modelo representado, en clara relación con el triunfo de la filosofía platónica. El hombre vuelve a ser el eje de la escultura como ocurrió en la arquitectura, cualquier hombre representado, ya sea un gran político, un dios, o un triunfador en los Juegos Olímpicos, va a parecer con las mismas dimensiones y el mismos tratamiento. Se van a dedicar de una manera especial al estudio del cuerpo y sus proporciones, la anatomía, el movimiento de los músculos. Fruto de estas investigaciones sobre las proporciones es el desarrollo del concepto de canon, que es la relación que se establece entre las medidas de una parte del cuerpo con el resto, de forma que el resultado armónico; por ejemplo el canon clásico para la altura del cuerpo es el equivalente a la de ocho cabezas. Las esculturas a fin de tener un mayor realismo aparecían policromadas, los mármoles se cubrían de una capa de cera de colores claros, también las esculturas de bronce tenían un tratamiento de color, utilizándose diferentes aleaciones e incrustándose materiales vítreos en los ojos mientras que los labios eran recubiertos de una lamina rojiza. Son pocos los bronces conservados, aunque debió ser la técnica más empleada, muchas de las esculturas griegas las conocemos a través de copias romanas en mármol. La técnica más apreciada era la crisoelefantina, en la que se utilizaban grandes placas de oro y marfil y sólo se utilizaba en los templos más importantes. Con frecuencias las esculturas aparecen firmadas, lo que facilita la clasificación de las piezas y el conocimiento del estilo personal de cada autor. Las principales fases que encontramos en el desarrollo de la escultura griega son las siguientes: 1-. Periodo arcaico: Desde el siglo VIII al VI antes de Cristo. 2-. Periodo preclásico: Primera mitad del siglo V a. C (500-450) 3-. Periodo clásico: Segunda mitad del siglo V a. C. (450-400) 4-. Periodo posclásico: Siglo IV a. C. 5-. Helenismo: Siglo III - I a.C.



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A-. PERIODO ARCAICO. El punto de partida de la escultura griega son los modelos de Egipto y Mesopotamia, caracterizados por su rigidez y su hieratismo. Estas son las características que se cumplen en los primeros ejemplos de escultura griega, las xoana, figuras realizadas a partir del tronco de un árbol, rígidas y estilizadas. Pero este es sólo el punto de partido y todo empezará a evolucionar rápidamente. Las figuras típicas de este periodo van a ser los kuroi (singular kuros) y las korai ( singular koré). En cuanto a las xoana, aparecen citadas en textos clásicos, la raíz etimológica confirma que debían ser de madera y posiblemente también pintadas. Pausanias cita incluso que algunos de ellos eran imágenes de vestir; no hay un tipo predeterminado y representaban la imagen de los principales dioses. La mitología atribuye a Hefaistos la autoría de estas xoana, aunque el autor más mencionado es el mítico Dédalo El origen de la escultura en Grecia está unido a un personaje legendario, Dédalo, al que se considera el padre de las artes. Es un ateniense, perteneciente a la familia real. Prototipo del artista universal, arquitecto, escultor y pintor e inventor de recursos mecánicos. Se le atribuyen en la antigüedad obras de arte arcaicas. Así se le atribuyen obras como la Dama de Auxerre, a la que se le califica de estilo Dedálico y que será el punto de arranque de las korai.

Ved aquí la verdad: los escultores e imagineros de la época ejecutan los pies y las manos de manera simétrica y unidos al cuerpo. Sin embargo, Dédalo fue el primero que realizó una escultura con un pie en actitud de avanzar. Por eso la gente solía decir: “Dédalo no sólo ha conseguido que la estatua aguante de pie, sino también que camine...” POLÍFAGO: Sobre Dédalo

Las primeras esculturas en piedra con los kuroi y korai, como dijimos arriba, los kuroi son figuras masculinas, siempre desnudas que representan a los atletas ganadores en los juegos, de pie, muy erguidos, adelantado un poco la pierna izquierda, el pelo es una masa compacta con talla muy superficial, ojos almendrados, la boca recta, cerrada y ligeramente curvada hacia arriba (la llamada sonrisa arcaica) La derivación de los modelos egipcios es evidente, torso triangular, hombros anchos, pies completamente pegados al suelo, puños cerrados. Aunque represente a personajes reales eran fabricados en serie y sólo se colocaba el nombre Las korai son figuras femeninas que representan doncellas consagradas a las diosas vestidas con una larga y ceñida túnica y encima un grueso manto, prendas que formas muchos pliegues en zig-zag, tienen una mano libre en la portaban la ofrenda, la otra en la cadera sujetando la falda; al igual que los kuroi, presentan sonrisa arcaica, convencionalismo en la representación del rostro, y pelo en gruesas trenzas. En las korai podemos distinguir dos escuelas, la dórica caracterizada por la solidez casi arquitectónica del cuerpo, con escasos pliegues, y la escuela jónica, con mayor asimetría y abundancia de pliegues en el vestido



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Tanto en un caso como en otro el origen y la influencia de los modelos egipcios es evidente, aunque de forma más inmediata derivan de las xoana. Todas las figuras tienen una rigurosa frontalidad, pudiendolas dividir por un eje de simetría en dos parte exactamente iguales. Del mismo modo sólo van a tener cuatro planos de visión (frontal, izquierdo, derecho y trasero) La evolución es considerablemente rápida, ganándose en naturalidad, movimiento y flexibilidad de la figura, perdiéndose la sonrisa arcaica, la frontalidad y multiplicándose los planos en los que puede ser vista la figura, llegando a ser ya auténticos bultos redondos. . Como ejemplos de kuroi podemos citar, por orden de antigüedad, el kuros de Sounion, el kuros de Tenea, el kuros Anavysos, y ya como modelos del momento final de evolución el kuros de Aristodikos, y sobre todo el Efebo Kritios. Uno de los más antiguos es el Kouros de Sounion, datado en el 600 a. C. en el que se aprecia el nacimiento de la plástica griega. La relación con la estatuaria griega se manifiesta en su robustez y en el hieratismo de la figura, aunque también se puede rastrear cierta presencia de la herencia de las xoana en la tendencia a la estabilización; la figura conserva la apariencia de un bloque de mármol, aunque podamos ver cierto interés por el modelado y por el análisis directo del natural son rasgos propios de la escultura griega que comienza a desarrollarse. Más reciente es el Kouros de Tenea (mediados del VI a. C), representa un avance en la búsqueda de la claridad orgánica ( las ligeras curvas del torso y de las caderas, las articulaciones de las piernas...) y en de expresión del movimiento, el rostro se anima por la marcada sonrisa arcaica; todo realizado con una labra brillante y refinada. Del 530 a. C. data el Kuoros de Anavysos, muy bien conservada, y a pesar del poco tiempo transcurrido desde la realización del kouros de Tenea vemos una marcada evolución, aquí nos encontramos con formas más naturales, brazos más separados del cuerpo, musculatura más realista, mejor tratamiento del pelo... Una evolución que vemos casi culminada en el kouros de Aristodikos del 500 a. C., el pelo largo en trenzas ha sido sustituido por un pelo corto en apretados rizos, la disposición del cuerpo es más animada, las formas anatómicas y la musculatura se tratan de forma integral y con menos geometrización. Ya casi en el periodo preclásico tenemos el Efebo de Kritios, en el que aparece el antecedente de la aplicación de la ley del contraposto, notamos ya la diferente función de la pierna de sostén y la pierna que queda libre de peso, además de un notable avance en la representación del rostro y de la anatomía; con esta obra nos damos cuenta por primera vez que la figura tiene un peso, se empieza a avanzar en la representación de la naturaleza y de cómo el artista es capaz de solucionar con su técnica los problemas derivados de la representación del cuerpo.



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Además de los kuroi, dentro de las esculturas arcaicas masculinas tenemos que mencionar otros ejemplos que no se adaptan literalmente al modelo de kuros, como son el Moscóforo, o el jinete Rampin. El Moscóforo, representa a un joven que porta como ofrenda un pequeño ternero, un tipo de representación que no es muy común, apareció en la Acrópolis rodeado de korai, el contraste entre su rostro y el del ternero que lleva como ofrenda da a la figura un mayor dinamismo, alejándose de los modelos más arcaicos El jinete Rampin es la primera representación ecuestre conocida del arte griego, datado en el 560 a. C. el torso es completamente compacto e inerte, en cambio en la cabeza se percibe cierta vivacidad debido al ligero giro del rostro hacia un lado En cuanto a las korai, la evolución la podemos ejemplificar en casos como la Dama de Auxerre, la Hera de Samos, la Kore del peplo o la Kore de Antenor. La Dama de Auxerre tiene una cronología bastante antigua, cercana al siglo VII a. C., de pequeñas dimensiones (0.65 m), es la típica representación de esta época, rostro oblongo, trenzas en pesada caída (peinado de pisos), extremidades en actitud rígida, vestida con un peplo de decoración geométrica, su tendencia a la abstracción es muy fuerte predominado los volúmenes geométricos. Casi un siglo posterior es la Hera de Samos (570 a. C.) es un claro ejemplo de la tradición jónica, el vestido es un chiton fino plisado, cuyos pliegues caen verticalmente aumentando la sensación de verticalidad y el aspecto casi de columna, la talla acredita un refinamiento y una sensibilidad mayor, aunque siguen persistiendo evidente muestras de arcaísmo como los pies y la zona inferior del vestido de claro influencia egipcia. Una de las obras maestras de la escultura arcaica es la kore del peplo, vestida con el sencillo vestido dórico mantiene restos de policromía, es un buen ejemplo que evidencia la evolución hacia un mayor naturalismo, sobre todo si la comparamos con la primitiva Dama de Auxerre. Dentro del estilo jónico tenemos a la Kore de Antenor, en la que los pliegues, la tendencia a la asimetría y el sentido decorativo son mucho más fuertes; lo mismo ocurre con una serie de korai del Museo de la Acrópolis de Atenas, en las que el cromatismo y la minuciosidad de la labra alcanzan sus máximas cotas Además de los kuroi y las korai, empezamos a tener ya en época arcaica ejemplos de escultura monumental, como son los relieves del Templo de Artemisa en Corfú, el más antiguo resto de escultura de un tímpano conservado. También dentro de la escultura destinada a los frontones de los templos hay que mencionar los restos de un frontón perteneciente a algunos de los primitivos templos de la Acrópolis de Atenas



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B-. PERIODO PRECLÁSICO. Después de la invasión de los persas en Grecia, y después de las consiguientes destrucciones de templos y esculturas, se inicia por todo el país una gran actividad constructiva. Durante esta época van a desaparecer los últimos restos de arcaísmo que quedaban, desarrollándose las características clásicas de la escultura griega. Se impone un arte naturalista, aunque ese realismo esté idealizado, simplificado o estilizado, nunca se volverá a la descomposición geométrica de la época anterior. Se inicia la posición que será típica en todas las figuras, el llamado contraposto, doblan ligeramente una pierna de manera que todo el peso se descarga en la otra ( ya se veía algo en el Efebo de Kritios). Como consecuencia del contraposto, toda la figura se ve afectada, la cabeza gira en el sentido de la pierna libre, desplazándose el punto de vista frontal hacia una lado; las líneas horizontales de los hombros y la cadera se inclinan; para equilibrar la estatua la pierna libre se tiene que adelantar o desplazar hacia un lado, aunque la solución definitiva será retrasarla. En la escultura griega comienza a introducirse el movimiento, aunque no será el movimiento natural, sino que intentan unir en una composición rítmica los momentos esenciales de una acción completa (el mejor ejemplo es el Discóbolo de Mirón). Otro de los rasgos de este momento es las figuras dan una impresión de solemnidad gracias a la simplicidad de líneas en peinados y vestidos. Veremos que en bastantes de los ejemplos se conservan algunas de las características del periodo arcaico. Aunque en líneas generales podemos decir que se rompe el frontalidad y la rigidez anteriores, desaparece por completo la sonrisa arcaica; el tratamiento de las telas es más natural, la caída de los pliegues pierde el carácter geométrico; y los puntos de vista en una misma figura van a ser múltiples. Pero siempre con un cierto regusto arcaico. Como principales ejemplos tenemos: los relieves del templo de Aphaia en Egina; el Auriga de Delfos; el Poseidón del cabo Artemisión; los relieves del templo de Zeus en Olimpia: o el Trono Ludovisi.



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El Auriga de Delfos formaba parte de un grupo dedicado a Apolo posiblemente por algún vencedor en las carreras de carros que se hacían en honor a este dios, se trata de una escultura de bronce de tamaño ligeramente superior al natural, perfectamente conservada. Su fecha de realización debe estar en torno al 478 a. C. esta fundido por dos piezas perfectamente encajadas; pese a la actitud de reposo. la figura está en tensión y así lo refleja la expresión del rostro, en el que se conservan los ojos . a estas cualidades se unen las del plisado del vestido. Con el nombre de Poseidón de Cabo Artemisión (460 a. C)se conoce a un figura de bronce hallada por unos pescadores junto a ese cabo, sin que sepa realmente a que dios representa; junto con el auriga nos habla de la importancia que debieron tener los bronces en Grecia, aunque son muy pocos los que nos han llegado. Se representa al dios en un momento más dinámico, cuando se dispone a lanzar el tridente ( o el rayo según los que creen que es Zeus el representado). Lógicamente se trata de un movimiento sumamente contenido y calmado, en una composición muy equilibrada. Destaca especialmente la forma en la que es tratada la anatomía, y la precisión del broncista al trabajar el pelo y los detalles del rostro Una de las piezas que más problemas plantea para su investigación es el llamado Trono Ludovisi” (mediados del V a. C), esa denominación se debe a su forma y no exactamente a su función, está muy relacionado con otro relieve muy semejante conservado en Boston (Trono Boston) lo que ha hecho suponer que se trata de las piezas de un mismo relieve, ¿un brocal de pozo? ¿frontal de un altar? ¿respaldo de un trono? En todo caso parece estar relacionado con alguno de los cultos mistéricos en honor a Perséfone o Venus.. El relieve más conocido es el central del Trono Ludovisi, se representa el nacimiento de Venus, saliendo del mar ayudada por dos ninfas; en los relieves laterales aparecen representadas por mujeres. una desnuda tocando la flauta y otra cubierta con el velo poniendo incienso en un pebetero. Los relieves del trono Boston representan en la parte central la ceremonia del peso de las almas con Persefone y Afrodita, y en los laterales una figura hilando lana y un joven tocando la lira. Los relieves del templo de Zeus Olimpia, son los importante de toda época preclásica junto con los del templo de Aphaia en Egina. Los primeros se datan en el 470-460 a. C. ya comentamos que se trataba de uno de los templos más característicos del estilo dórico, en donde adopta ya sus proporciones definitivas; los relieves más importantes están colocados en los dos frontones, ambos con un tratamiento bastante diferenciado, mientras en el oriental reina la calma, en el occidental la tempestad; el primero representan una escena mitológica relacionada con las carreras de caballos; en el occidental nos encontramos con el



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enfrentamiento entre lapitas y centauros, lo que impone un tratamiento más dinámico y violento. Las metopas de este templo de Zeus en Olimpia están decoradas con los doce trabajos de Hércules. Todo el conjunto debió ser realizado en un tiempo bastante corto, ya que la unidad de estilo de las distintas piezas es considerable. Las composiciones de alguna de las metopas indican ya un alto grado de desarrollo en la escultura griega, huyendo progresivamente de la severidad de este estilo preclásico. El otro gran conjunto de relieves los tenemos, como hemos dicho anteriormente, en el templo de Aphaia en Egina (500-490 a. C), el hecho de ser algo anterior al templo de Zeus se percibe en un mayor arcaísmo de las figuras, que constituyen uno de los mejores ejemplos de las transición del estilo arcaico al preclásico. Fueron arrancadas del templo en 1811 por orden del rey Federico de Baviera y restauradas por el escultor neoclásicos Thorlvalsen con los criterios imperante en la época; las escenas reflejadas son batallas relacionadas con el ciclo de Troya. Ambos frontones tienen una composición muy semejante, en el centro y ocupando la parte más alta aparece Atenea como diosa guerrera situada entre los dos ejércitos combatientes. Todas las obras están talladas con gran precisión incluso las parte que no eran visibles al espectador



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C-. PERIODO CLÁSICO. La segunda mitad del siglo V a.C. es el momento en el que la Atenas de Pericles se llena de artistas, que emprenden la reconstrucción de la Acrópolis y la dotan de esculturas y relieves. En este momento caen definitivamente los convencionalismo arcaicos y se buscan posiciones naturales, generalizándose el contraposto y extendiéndose el escorzo. Se estudia el movimiento real de la musculatura y la anatomía. Los pliegues de los vestidos van a dejar translucir las formas del cuerpo y se adaptan a sus movimientos. En la forma de entender los griegos la religión la belleza es el factor más evidente de la divinidad, y por lo tanto lo escultores tendrán que representar a los dioses con la belleza perfecta. Los escultores se van a dedicar por lo tanto a teorizar sobre proporciones perfectas del hombre ideal, basadas en la medida y la armonía ( los pitagóricos habían establecido que el fundamento del mundo se hallaba en el número. Ahora ya conocemos los nombres de los principales escultores y podemos hacer un estudio detenido de sus estilos y sus obras. . Mirón. Cronológicamente vive al final del periodo preclásico y al comienzo del clásico, por lo que sus obras aún no poseen la naturalidad de la segunda mitad del siglo V, pero ha perdido prácticamente todo resto de arcaísmo . Estudia el movimiento, pero sin violencia, concebido fugazmente. Busca las posturas más inestables, para las que se presta el empleo del bronce. Se preocupó de la asimetría y de la estructura corpórea. Se le reprocha una excesiva preocupación por la superficial. Sus obras más importantes son el Discóbolo (copia romana), cuya pose es sumamente atrevida, pero a pesar de esa innovación aun está en el umbral del clasicismo. En el Discóbolo, Mirón no sólo demuestra sus grandes conocimientos de anatomía sino también de dibujo y de la geometría, ya que sometió a toda la figura a una rígida composición geométrica a base de triángulos, se trata aun de una de las primeras obras del clasicismo por lo que toda la figura queda comprimida en el un único plano, aunque es un bulto redondo se mantiene un punto de vista principal. Más avanzado es el conjunto de Atenas y Marsias, conocido a través de reproducciones romanas de diferentes museos, se trata de un tema más anecdótico, aquí hay una representación mejor de la anatomía y más fiel del natural.



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Fidias Fue el autor que dio a la escultura griega su forma más perfecta y los matices más delicados, aunque sea pocas las obras que se han conservado. Fue el director de obras de la Acrópolis, y posiblemente estuvo muy relacionado con el mundo intelectual y filosófico de la Atenas del momento. Sus figuras se van a caracterizar por la serenidad en los rostros, el tratamiento de las telas, la combinación entre equilibrio y serenidad con movimiento y vida. Sus rostros son el ejemplo de belleza clásica (frente moderadamente alta, barbilla pequeña, labios carnosos, mejillas lisas, perfil casi perpendicular...) Realiza varias esculturas de la diosa Atenea (Atenea Lemmia, la figura crisoelefantina de Atenea Parthenos...) Trabaja fundamentalmente en el Partenón encargándose de sus relieves, los del friso interior con la procesión de las Panateneas, los de los dos tímpanos (destaca la lucha entre lapitas y centauros), y los de las metopas. Una de sus grandes realizaciones fue el Zeus crisoelefantino del templo de Olimpia, que para sus contemporáneos fue su obra más perfecta. En el Partenón Fidias se dedica a los relieves de los frontones, de las metopas y el friso. En los frontones representa el tema del nacimiento de Atenea (en el oriental)y de su enfrentamiento con Poseidón (en el occidental). En el primero de los frontones Atenea nace en presencia de una asamblea divina, la diosa estaría en el centro, surgiendo armada de la cabeza de Zeus, en las esquinas del frontón coloca el carro solar emergiendo de la cornisa, y al lado opuesto la entrada del carro de Selene sumergiéndose en la noche. El frontón este se conoce algo mejor, aunque no quedan de él más que restos mutilados, el centro del tímpano y por lo tanto la parte más alta esta ocupada por las figuras de Atenea y Poseidón luchando, y su alrededor vuelve a aparecer el grupo de dioses y de héroes de la mitología griega. Las metopas se realizaron antes que los frontones, el tema elegido es una Centauromaquía, que ya lo habíamos visto en el templo de Zeus en Olimpia, pero aquí el tratamiento va a ser mucho más dinámico, aunque la calidad es bastante desigual, hay algunas que destacan por la composición espacial y el saber aprovechar un espacio tan limitado.

Uno de los grupos escultóricos más interesantes del Partenón es el friso situado en lo más alto de la cella, un detalle jónico en un templo dórico; se representa el cortejo procesional de las fiestas panatenaicas, alejando asi de los temas mitológicos tradicionales; lógicamente se trata de una obra de taller, lo que hace que se resienta la homogeneidad en ocasiones, pero de todas formas el friso de la panateneas es el mejor ejemplo del estilo de Fidias, y su taller, y tendrá una enorme influencia en todas las épocas posteriores. La importancia del friso esta en el profundo naturalismo que da Fidias a la escultura, simulando la procesión en torno al Partenón, con un movimiento calmado pero continuo, y además aquí Fidias desarrolla magistralmente el tratamiento de los paños que le caracteriza, las telas dan la sensación de estar mojadas, de pesar y



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por lo tanto se pegan al cuerpo, marcando los volúmenes de la anatomía que Fidias domina a la perfección. A pesar de toda la importancia que tienen los relieves del Partenón, según sus contemporáneos está no era su mejor obra, sino que lo eran las esculturas crisoelefantinas de Atenas para la Acrópolis y de Zeus para el templo de Olimpia. Eran estatuas realizadas con oro y marfil. no se conserva ninguna de las dos, la de Atenea llamada Atenea Parthenos. era una figura de pie con todos los atributos sagrados de la diosa ( la égira, el casco y la coraza, el escudo, junto a el la serpiente, la lanza...); el Zeus crisoelefantino de Olimpia era una escultura sedente, en la que Zeus aparece con el torso desnudo. Si las estatuas crisoelefantinas fueron la razón de su fama, también fueron la causa de su ruina, ya que fue acusado de robar parte de los materiales preciosos que se le encargaron para su realización , teniendo que huir de Atenas. Aun podemos mencionar algunas otras de Fidias, que señalan la importancia de su estilo y además el hecho de que debió tener un taller de un tamaño considerable. Entre estas obras está la Atenea Lemnia, del 450 a. C. que inaugura la plenitud clásica, sorprende por sus concepción del movimiento y de la ruptura del eje de simetria, apareciendo además la técnica característica de Fidias en el tratamiento de los paños que se comentó en el caso del Partenón. Son muchas la obras que se atribuyen a él, pero lo más posible es que trate de obras de sus discípulos, o incluso de imitadores romanos de sus estilo.



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Policleto Es el escultor que cierra el periodo auténticamente clásico. Se va a distinguir por la perfección de sus trabajos en bronce. En cierta medida el material empleado va a condicionar su obra. Su temas preferidos son los atléticos, lo que le lleva a producir una obra de escasa variedad pero rica en matices. Se centra en los problemas de representación del cuerpo humano desnudo. Tiene también una preocupación teorizante, con importantes repercusiones en autores posteriores; llegó a escribir un libro reflejando sus teorías, llamado precisamente Kanon (ΚΑΝΩΝ) Como demostración de sus principios estéticos crea el Doríforo, podríamos decir que es el punto de llegada de la evolución del primitivo kouros, y una interpretación perfecta del cuerpo humano. Representa a un atleta que lleva una lanza, aunque para algunos historiadores podría ser una representación de Aquiles. Resume todas las aportaciones de Policleto a la escultura, debió y trabajar en él entre el 450 y el 440 a. C. Profundiza en la diferencia entre pierna de apoyo y pierna libre (contraposto), llevando la pierna sin peso hacia atrás que forma que sólo toca el suelo con los dedos. Uno de los brazos se adelanta en el espacio rompiendo el primer plano. A pesar de sus innovaciones respeta la tradición de que toda escultura debe tener un punto de vista principal y varios secundarios. Policleto basa toda la organización de la figura en medidas matemáticas y en formas geométricas básicas , y diferencias perfectamente las divisiones entre los distintos miembros del cuerpo para conseguir la sensación de orden y de perfecta articulación Además del Doríforo, sus otras esculturas más conocidas son el Diadumeno y la Amazona capitolina. El Diadumeno, representa un momento más avanzado en la producción de Policleto, ralizado entre el 440-430 a. C. encontrándonos unas formas corporales más dinámicas y naturales, aunque continuando los elementos típicos de su estilo, como el contraposto cada vez más perfecto. Posiblemente tampoco representa a un atleta, sino al dios Apolo en momento de ceñirse a cinta de los campeones en la cabeza.



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La Amazona Capitolina, será la transposición de los principios enunciados anteriormente a un cuerpo femenino. Forma parte de una serie de escultura de Amazonas que los principales escultores del momento hicieron para el Artemisión de Efeso. La que corresponde al taller de Policleto es posiblemente la llamada Amazona Capitolina También pertenecen a este periodo una serie de esculturas de extraordinaria calidad aunque se desconoce quienes pudieron ser sus autores. Cabe mencionar la escultura de “Niobide herida” del Museo de las Termas de Roma, atribuida a Kresilas, un espléndido desnudo femenino, lleno de dinamismo e incluso de cierto sentido dramático que será propio del helenismo. También a este autor se atribuye un retrato de Perikles, uno de los pocos retratos realizados en época clásica. También son de gran calidad los relieves del Templo de Atenea Niké, en la Acrópolis de Atenas, representan a “La belleza reside, no en la proyección de Victorias, en actitudes muy naturales (la más elementos constituyentes, sino en la proporcionalidad de las partes, como entre un dedo y otro dedo, y entre conocida posiblemente es la de una Victoria todos los dedos y el metacarpo, entre el carpo y el antebrazo, y entre el antebrazo y el brazo, en realidad atándose la sandalia)

D-. PERIODO POSCLÁSICO

entre todas las partes entre sí, como está escrito en el Canon de Polícleto. Para enseñarnos en un tratado toda la proporción del cuerpo, Polícleto apoyó su teoría en una obra, haciendo la estatua de un hombre de acuerdo con los principios de su tratado y llamó a la estatua, como el tratado, Canon.” GALENO, De temperamentis, 1.9

Durante el siglo IV decae la escultura religiosa y florece la privada . El escepticismo religioso modifico la imagen de los dioses, que aparecen realizando acciones completamente humanas. El naturalismo va a invadir la escultura de este siglo. Van a ser frecuentes los grupos escultóricos, que desarrollan alguna escena. Los escultores buscan efectos pictóricos. Lo costumbrista y lo cotidiano se generaliza, aparece la expresión pasional, la ira, la indignación, la tragedia... Como consecuencia de todo esto empiezan a abundar los retratos. Se produce una crisis de la serenidad clásica de Fidias y en las esculturas aparece un movimiento violento y en ocasiones desordenado. Las proporciones y la medida del siglo anterior se alteran buscando unos mayores efectos dramáticos y plásticos. Los ideales anatómicos de Policleto desaparecen, al igual que los cuerpos perfectos e ideales, generalizando figuras mucho más acordes con la realidad concreta. Praxiteles es el primer autor de este periodo, sus figuras se vana a caracterizar por una relativa blandura, los figuras doblan considerablemente la cadera, la llamada curva praxiteliana, apoyando indolentemente el brazo, como consecuencia de los avances en el contraposto del siglo anterior. La escultura que mejor recoge el estilo de Praxiteles es el Hermes de Olimpia (340 a. C.), encontrado entre las ruinas se mantuvo durante mucho tiempo como una obra original de Praxiteles, aunque actualmente hay autores que afirman que se trata de



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una copia romana del original griego; puede ser considerado como una obra de madurez en la que culminan los logros escultóricos de Praxiteles; representa al dios Hermes llevando en brazos al dios Dionisos en figura de niño; el cuerpo del dios se dobla en una marcada curva praxiteliana, dando una sensación más sensual, la anatomía ya es tan marcado como en los ejemplos del clasicismo, además el tema es mucho más cercano a la realidad, y la disposición de las dos figuras hace que se rompan por completo los ejes de simetría y la obra puede ser contemplada desde varios puntos de vista sin perdida de sus belleza. Otras obras de este autor son la Afrodita Cnidia del 360 a. C. (museos del Vaticano), primer desnudo integral femenino del mundo clásico, representa a la diosa saliendo del baño con una toalla de la mano apoyada en un cántaro; fue una obra ya famosa en la antigüedad, siendo descrita por Plinio así :

También en los Museos Vaticanos se conserva el Apolo Sauroktonos (360 a. C), que representa al dios como un adolescente persiguiendo un lagarto.

Otro de los escultores de este siglo es Lisipo, muy influenciado por Policleto, siempre se somete a un canon y a unos principios, aunque eso no le impide ampliar el repertorio escultórico gracias a su observación de la naturaleza. El modelo atlético es revisado, y prolonga el canon de las esculturas al menos en una cabeza más. Fue el escultor preferido de Alejandro Magno. De sus numerosas obras hay que citar al menos al Apoxiomenos (330 a. C.), mucho más inestable que los modelos de Policleto, rompe con la estatuaria tradicional al introducir profundos escorzos en los brazos, que multiplican los planos; representa a un atleta limpiándose con un rascador el polvo y la grasa despues de la carrera. destaca la esbeltez del cuerpo u la reducción de volumen de la cabeza; el cuerpo parece oscilar sobre las piernas hacia la izquierda; el brazo derecho se extiende hacia el espectador que mira de frente la estatua, un escorzo inconcebible dentro de lo clásico, porque rompe el plano principal conservado hasta entonces. Junto al Apoxionemos tenemos otras obras atribuidas a Lisipo aunque algunas son bastante dudosas, mencionamos al “Eros atando el arco”, o el “Heracles Farnesio” también llamado “Heracles en reposo”, el “Ares Ludovissi”...

Finalmente Scopas va a suponer la creación de unas escultoras patéticas, que son todo lo apuesto a la melancolía de Praxiteles. Trabajó en el Mausoleo de



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Halicarnaso (350 a. C) y en los relieves del Templo de Atenea Alea en Egea. Sus obras se conservan demasiado fragmentadas pero a pesar de ello podemos percibir algunas de sus características, que anuncian las que serán propias del helenismo. El movimiento pausado y tranquilo hemos visto en el periodo clásico va adquiriendo un ritmo y un dinamismo mayor. Un ejemplo muy claro de esto lo tenemos en la escultura de la Ménade ebria, formaba parte de los relieves del mausoleo de Halicarnaso y representa a una de las mujer participante en los ritos dionísiacos, en los que a través de la danza y la música las mujeres entraban en un éxtasis místico. Scopas representa precisamente el momento en que una mujer semidesnuda danza en ese estado, el cuerpo se convierte en una curva, las telas se agitan y todo el cuerpo se contorsiona y se retuerce. Algo muy alejado del ritmo solemne de los panateneas de Fidias en el PartenónOtras obras importantes de este siglo, pero de autor desconocido, son el Apolo del Belvedere, y el sarcófago de Alejandro (museo de Estambul), una interesante muestra del relieve funerario, que tendrá un considerable desarrollo en los siglos posteriores.

“Muchos han hecho el viaje a Gnido solo para ver la Afrodita, porque se consideraba la estatua más hermosa, no sólo de Praxiteles, sino del orbe entero... Está en un templete abierto de modo que la figura, que dicen que fue hecha bajo la inspiración directa de la diosa, puede verse por todos los lados y por cualquiera es igualmente admirada”