Mauro Giuliani MAURO GIULIANI (1781-1829)
Concerto for Guitar and Orchestra No. 1 in A op. 30 Concerto for Guitar and Orchestra No. 2 in A op. 36
Concertos for Guitar and Orchestra Nos. 1 & 2
Edoardo Catemario (Guitars, Gitarren, Guitares, Chitarre)
Wiener Akademie Martin Haselböck
(Conductor, Dirigent, Chef d’orchestre, Direttore) Recording: Hofburgkapelle, Vienna (Austria) - 11 . 2002 Production and Recording Supervision/Produktion und Aufnahmeleitung Directeur de la production et de l’enregistrement/Direttore della produzione e della registrazione Gian Andrea Lodovici Sound Engineer/Tonmeister/Ingénieur du son/Tecnico del suono Matteo Costa Front cover photo: Giacomo Lombardo
Edoardo
Catemario
Wiener Akademie Martin Haselböck
47688-8
Audiophile Recording see details inside
Performed with Original Instruments
THIS IS AN AUDIOPHILE RECORDING
MAURO GIULIANI
This Super Audio CD plays in multichannel surround sound and two-channel stereo on all SACD players. It can also be played on a standard CD player though only in stereo.
(1781-1829)
Concerto for Guitar and Orchestra No. 1 in A Major op. 30 (A-Dur, La majeur, La maggiore) 1 2
Technical Information Recording: Wien, Hofburg Chapel, November 2002 24 bit/96 kHz recording and editing: Eng. Matteo Costa, Padova Microphones: Schoeps MK-2S linear (2), Schoeps MK-4 (2), Neumann KM-140 (4), Schoeps MK-4V, Sennheiser MKH-20 (2) On stage microphone preamplifiers: Millennia Media HV-3D (2) On stage 24 bit/96 kHz/16 tracks AD converter: Prism Sound ADA-8 Digital Recorder: Tascam DA-98HR (2), Tascam DA-78HR Microphone cables:Van den Hul MDC 403 Digital cables: Proel 8xAES-EBU 24 bit 96 kHz Editing: Studio Audio Artemis 32 v.4.02 Monitor: ESB 2010P with four subwoofer ESB 2001 and supertweeter JBL; four ways electronic crossover Lake People; power amplifier Hafler; 24 bit/96 kHz DA converter: Prism Sound DA-2. Multichannel Mix:Yamaha 02R-96 DSD conversion and SACD Authoring: SADiE DSD-8.
3
I - Allegro maestoso II - Siciliana (Andantino) III - Rondò alla Polacca (Allegretto)
15.43 6.07 8.28
Concerto for Guitar and Orchestra No. 2 in A Major op. 36 (A-Dur, La majeur, La maggiore) 4 5 6
I - Maestoso II - Andantino III - Rondò (Allegretto)
Performed with Giuliani’s original Guitar Pons l’Aîné 1825 Aufgenommen mit Giulianis original Gitarre Pons l’Aîné 1825 Executée avec la guitar originale Pons l’Aîné 1825 de Giuliani Esecuzione con la chitarra originale Pons l’Aîné 1825 di Giuliani
Edoardo Catemario
(Guitars, Gitarren, Guitares, Chitarre)
Wiener Akademie Martin Haselböck
The signal was not compressed or equalized at any step during production. 2
3
(Conductor, Dirigent, Chef d’orchestre, Direttore)
13.55 6.02 9.29
THIS IS AN AUDIOPHILE RECORDING
MAURO GIULIANI
This Super Audio CD plays in multichannel surround sound and two-channel stereo on all SACD players. It can also be played on a standard CD player though only in stereo.
(1781-1829)
Concerto for Guitar and Orchestra No. 1 in A Major op. 30 (A-Dur, La majeur, La maggiore) 1 2
Technical Information Recording: Wien, Hofburg Chapel, November 2002 24 bit/96 kHz recording and editing: Eng. Matteo Costa, Padova Microphones: Schoeps MK-2S linear (2), Schoeps MK-4 (2), Neumann KM-140 (4), Schoeps MK-4V, Sennheiser MKH-20 (2) On stage microphone preamplifiers: Millennia Media HV-3D (2) On stage 24 bit/96 kHz/16 tracks AD converter: Prism Sound ADA-8 Digital Recorder: Tascam DA-98HR (2), Tascam DA-78HR Microphone cables:Van den Hul MDC 403 Digital cables: Proel 8xAES-EBU 24 bit 96 kHz Editing: Studio Audio Artemis 32 v.4.02 Monitor: ESB 2010P with four subwoofer ESB 2001 and supertweeter JBL; four ways electronic crossover Lake People; power amplifier Hafler; 24 bit/96 kHz DA converter: Prism Sound DA-2. Multichannel Mix:Yamaha 02R-96 DSD conversion and SACD Authoring: SADiE DSD-8.
3
I - Allegro maestoso II - Siciliana (Andantino) III - Rondò alla Polacca (Allegretto)
15.43 6.07 8.28
Concerto for Guitar and Orchestra No. 2 in A Major op. 36 (A-Dur, La majeur, La maggiore) 4 5 6
I - Maestoso II - Andantino III - Rondò (Allegretto)
Performed with Giuliani’s original Guitar Pons l’Aîné 1825 Aufgenommen mit Giulianis original Gitarre Pons l’Aîné 1825 Executée avec la guitar originale Pons l’Aîné 1825 de Giuliani Esecuzione con la chitarra originale Pons l’Aîné 1825 di Giuliani
Edoardo Catemario
(Guitars, Gitarren, Guitares, Chitarre)
Wiener Akademie Martin Haselböck
The signal was not compressed or equalized at any step during production. 2
3
(Conductor, Dirigent, Chef d’orchestre, Direttore)
13.55 6.02 9.29
MAURO GIULIANI Concertos Nos. 1 & 2 for Guitar and Orchestra The repertoire for guitar music experienced an extraordinary upturn in the first decades of the 19th century, which more or less coincided with an important development concerning the instrument itself. In addition to its five strings, the guitar received towards the end of the 18th century a further sixth string. In this new version, the guitar soon became very popular throughout Europe. And so it came that a considerable number of guitarists took to the stage, particularly in Spain and Italy, and coming from their respective country of origin, introduced guitar music to the great European metropolitan centres, especially Vienna and Paris. Thus these two cities became the most important production and distribution centres of this repertoire for almost half a century. Among the guitar composers and virtuosos were, among others, Mauro Giuliani, Ferdinando Carulli, Fernando Sor, Dionisio Aguado, Filippo Gragnani and Matteo Carcassi. Their names are associated with one of the most renowned epochs in the history of the guitar. Mauro Giuliani was probably the greatest guitarist and composer for the guitar in the 19th century. He was born in Bisceglie, near Bari, on July 27, 1781. We hardly know anything of his study years in Italy. However, at the end of 1806 we encounter him as an accomplished artist in Vienna, where he would later experience the most successful period of his career and where he became acquainted with Beethoven, Hummel, Moscheles and many of the most important instrumentalists and composers who were active in the capital city of Austria at the time. In 1813 for example, Giuliani played a part in the premiere of Beethoven’s Seventh Symphony as cellist. Without a doubt, the composer from Bonn was an admirer of this Italian colleague, whom he always referred to with the greatest respect in his conversation notes. Giuliani worked together several times with Ignaz Moscheles and Johann Nepomuk Hummel, two composers and piano virtuosos who were very popular in Vienna at
the time, and gave concert performances together with them which were very popular and greatly appreciated by all. Giuliani remained in the Austrian capital city until 1819, after which he returned to Italy. However, instrumental music was by no means as popular in his native country as compared to the other side of the Alps. Thus Giuliani was unable to continue his Viennese successes, despite the publication of a number of his compositions by Ricordi and other publishing houses. He died in Naples on May 8, 1829. As a very receptive man for artistic influences, Giuliani with much skill succeeded in combining the heritage of the Italian instrumental tradition of the 18th century, whose direct descendant he was, with the achievements of Viennese music culture, which at the time were among the most progressive in Europe. His works are written in the purest classical style, yet they also present grace and melodic spontaneity which are typically Italian. His repertoire includes over 150 catalogued works, as well as various other unnumbered or manuscript works. Among his most successful compositions are without a doubt the three concertos for guitar and orchestra, op. 30, 36 and 70, as well as several virtuoso and effective pieces for solo guitar such as, for example the Grand Overture op. 61 and the Sonata op. 15. In his compositions, Giuliani markedly extended the technical possibilities of the guitar, transforming it into a perfect concert instrument and liberating it from its limited role as an accompanying instrument given to it in the field of chamber music. The “orchestral role” provided by Giuliani, which, for example, is reflected in the aforementioned Grande Overture op. 61, becomes particularly apparent when the guitar is faced by a real orchestra. Together with Ferdinando Carulli, Giuliani was one of the first composers in the 19th century, perhaps even the first, to write a concerto for guitar and orchestra. This achievement was not without its risks and problems, as the guitar with its low volume level can easily be overpowered by a more weighty ensemble. The Concerto No. 1 in A major op. 30 was presumably 4
performed for the first time in Vienna on April 3, 1808 with the composer as soloist and is undoubtedly the best-known and most performed piece of the three solo concertos for guitar which Giuliani had composed. It was printed in two different versions in Vienna in 1810, an original version for guitar and strings and a second with additional wind section (Hummel was supposedly involved in this second version). It is as usual a work in three movements in a typical classical style, an illuminating example of the blending of Viennese Classic of Mozart’s successors with the intellectual-humorous song-like manner characteristic of the best of Rossini. In the first movement, Allegro maestoso, in correct opening sonata form, we encounter a broad orchestra exposition of the Viennese style, which subsequently leaves the space entirely to the soloist, who is given two cadenzas instead of the customary one. Giuliani handles the orchestra with much sensitivity, makes sure that it never clashes with the guitar but rather accompanies it always in an very restrained manner. The second movement, Siciliana, is a charming Andantino in E minor, entirely imbued by delicate songfulness, in which some folkloristic ideas appear as if transformed into an elegant surrounding. The concerto ends with a piquant Rondò alla polacca, Allegretto, a true firework display of instrumental virtuosity. The Concerto No. 2 in A major op. 36 was printed in 1812, two years after the op. 30 by the Artaria publishing house and is a composition which follows the previous concerto both in musical form and in the manner of instrumentation, and is also in Giuliani’s favourite key of A major. At the same time it differs from the previous work with a more complex, more introverted, eminently lyrical character. This already becomes apparent in the orchestra exposition of the introductory Maestoso, in which the song-like character of op. 30 gives way to a broken melody, pointing to a new sensitivity. Also the second movement, Andantino, an exceptionally delicate piece as regards tone, leaves behind the flattering 5
notes of the corresponding movement in op. 30, in order to find a more subtle expressiveness. The Finale, Rondo - Allegretto, advances in a marching rhythm, however, not without virtuosity and progressive harmonies with quite modern use or chromatics.
Danilo Prefumo Translation by Alan Bagge
The Pons family and the “Pons l’aîné”- guitar Paris 1825 César Pons, born in Paris, was a guitar, violin, harp and hurdy-gurdy instrument maker. He had two sons, Joseph and Louis David, who both learnt his craftsmanship. For the most part of his life, Louis David worked in Grenoble together with his father César. The first-born, Joseph, was the more enterprising and dynamic of the two and left behind the provincial town of Grenoble. In his search for a more select clientele, who would appreciate the quality of his work to a greater degree, he moved to Paris. There is evidence that his brother Louis David also came to Paris with his father César for a while, presumably to help the older brother complete order backlog. Joseph, who up until then had signed his instruments as “Pons fils” (“Pons’ son”) as did Louis David in Grenoble, began signing his instruments as “Pons l’aîné” (“Pons, the elder”) after the arrival of his brother in Paris in order to distinguish himself. Subsequently Louis David changed his signature from “Pons fils” to “Pons jeune” (“Pons, the younger”). The guitar of “Pons l’aîné”, which maestro Edoardo Catemario has used for the recording of the first two concertos by Giuliani, was built by Joseph Pons in Paris in 1825 and is based on a design which he had been experimentally developing a few years earlier. This instrument is in actual fact identical to the one which Joseph had made for Empress Marie-Louise of Habsburg, the wife of Napoleon, who later gave it to the virtuoso Mauro Giuliani. This instrument became one of his favourites. Not only the model is the same, but also are the different types of wood used for its construction.
MAURO GIULIANI Concertos Nos. 1 & 2 for Guitar and Orchestra The repertoire for guitar music experienced an extraordinary upturn in the first decades of the 19th century, which more or less coincided with an important development concerning the instrument itself. In addition to its five strings, the guitar received towards the end of the 18th century a further sixth string. In this new version, the guitar soon became very popular throughout Europe. And so it came that a considerable number of guitarists took to the stage, particularly in Spain and Italy, and coming from their respective country of origin, introduced guitar music to the great European metropolitan centres, especially Vienna and Paris. Thus these two cities became the most important production and distribution centres of this repertoire for almost half a century. Among the guitar composers and virtuosos were, among others, Mauro Giuliani, Ferdinando Carulli, Fernando Sor, Dionisio Aguado, Filippo Gragnani and Matteo Carcassi. Their names are associated with one of the most renowned epochs in the history of the guitar. Mauro Giuliani was probably the greatest guitarist and composer for the guitar in the 19th century. He was born in Bisceglie, near Bari, on July 27, 1781. We hardly know anything of his study years in Italy. However, at the end of 1806 we encounter him as an accomplished artist in Vienna, where he would later experience the most successful period of his career and where he became acquainted with Beethoven, Hummel, Moscheles and many of the most important instrumentalists and composers who were active in the capital city of Austria at the time. In 1813 for example, Giuliani played a part in the premiere of Beethoven’s Seventh Symphony as cellist. Without a doubt, the composer from Bonn was an admirer of this Italian colleague, whom he always referred to with the greatest respect in his conversation notes. Giuliani worked together several times with Ignaz Moscheles and Johann Nepomuk Hummel, two composers and piano virtuosos who were very popular in Vienna at
the time, and gave concert performances together with them which were very popular and greatly appreciated by all. Giuliani remained in the Austrian capital city until 1819, after which he returned to Italy. However, instrumental music was by no means as popular in his native country as compared to the other side of the Alps. Thus Giuliani was unable to continue his Viennese successes, despite the publication of a number of his compositions by Ricordi and other publishing houses. He died in Naples on May 8, 1829. As a very receptive man for artistic influences, Giuliani with much skill succeeded in combining the heritage of the Italian instrumental tradition of the 18th century, whose direct descendant he was, with the achievements of Viennese music culture, which at the time were among the most progressive in Europe. His works are written in the purest classical style, yet they also present grace and melodic spontaneity which are typically Italian. His repertoire includes over 150 catalogued works, as well as various other unnumbered or manuscript works. Among his most successful compositions are without a doubt the three concertos for guitar and orchestra, op. 30, 36 and 70, as well as several virtuoso and effective pieces for solo guitar such as, for example the Grand Overture op. 61 and the Sonata op. 15. In his compositions, Giuliani markedly extended the technical possibilities of the guitar, transforming it into a perfect concert instrument and liberating it from its limited role as an accompanying instrument given to it in the field of chamber music. The “orchestral role” provided by Giuliani, which, for example, is reflected in the aforementioned Grande Overture op. 61, becomes particularly apparent when the guitar is faced by a real orchestra. Together with Ferdinando Carulli, Giuliani was one of the first composers in the 19th century, perhaps even the first, to write a concerto for guitar and orchestra. This achievement was not without its risks and problems, as the guitar with its low volume level can easily be overpowered by a more weighty ensemble. The Concerto No. 1 in A major op. 30 was presumably 4
performed for the first time in Vienna on April 3, 1808 with the composer as soloist and is undoubtedly the best-known and most performed piece of the three solo concertos for guitar which Giuliani had composed. It was printed in two different versions in Vienna in 1810, an original version for guitar and strings and a second with additional wind section (Hummel was supposedly involved in this second version). It is as usual a work in three movements in a typical classical style, an illuminating example of the blending of Viennese Classic of Mozart’s successors with the intellectual-humorous song-like manner characteristic of the best of Rossini. In the first movement, Allegro maestoso, in correct opening sonata form, we encounter a broad orchestra exposition of the Viennese style, which subsequently leaves the space entirely to the soloist, who is given two cadenzas instead of the customary one. Giuliani handles the orchestra with much sensitivity, makes sure that it never clashes with the guitar but rather accompanies it always in an very restrained manner. The second movement, Siciliana, is a charming Andantino in E minor, entirely imbued by delicate songfulness, in which some folkloristic ideas appear as if transformed into an elegant surrounding. The concerto ends with a piquant Rondò alla polacca, Allegretto, a true firework display of instrumental virtuosity. The Concerto No. 2 in A major op. 36 was printed in 1812, two years after the op. 30 by the Artaria publishing house and is a composition which follows the previous concerto both in musical form and in the manner of instrumentation, and is also in Giuliani’s favourite key of A major. At the same time it differs from the previous work with a more complex, more introverted, eminently lyrical character. This already becomes apparent in the orchestra exposition of the introductory Maestoso, in which the song-like character of op. 30 gives way to a broken melody, pointing to a new sensitivity. Also the second movement, Andantino, an exceptionally delicate piece as regards tone, leaves behind the flattering 5
notes of the corresponding movement in op. 30, in order to find a more subtle expressiveness. The Finale, Rondo - Allegretto, advances in a marching rhythm, however, not without virtuosity and progressive harmonies with quite modern use or chromatics.
Danilo Prefumo Translation by Alan Bagge
The Pons family and the “Pons l’aîné”- guitar Paris 1825 César Pons, born in Paris, was a guitar, violin, harp and hurdy-gurdy instrument maker. He had two sons, Joseph and Louis David, who both learnt his craftsmanship. For the most part of his life, Louis David worked in Grenoble together with his father César. The first-born, Joseph, was the more enterprising and dynamic of the two and left behind the provincial town of Grenoble. In his search for a more select clientele, who would appreciate the quality of his work to a greater degree, he moved to Paris. There is evidence that his brother Louis David also came to Paris with his father César for a while, presumably to help the older brother complete order backlog. Joseph, who up until then had signed his instruments as “Pons fils” (“Pons’ son”) as did Louis David in Grenoble, began signing his instruments as “Pons l’aîné” (“Pons, the elder”) after the arrival of his brother in Paris in order to distinguish himself. Subsequently Louis David changed his signature from “Pons fils” to “Pons jeune” (“Pons, the younger”). The guitar of “Pons l’aîné”, which maestro Edoardo Catemario has used for the recording of the first two concertos by Giuliani, was built by Joseph Pons in Paris in 1825 and is based on a design which he had been experimentally developing a few years earlier. This instrument is in actual fact identical to the one which Joseph had made for Empress Marie-Louise of Habsburg, the wife of Napoleon, who later gave it to the virtuoso Mauro Giuliani. This instrument became one of his favourites. Not only the model is the same, but also are the different types of wood used for its construction.
Furthermore, the interior structural elements were also made using the same pattern and inserted on the same scale. It should in particular be emphasised, that the headstock with its ingenious system of pegs is identical with the other instrument both as regards design and technique. The innovative tuning mechanism consists of six ebony pegs which are fitted with a thread and a locking wing nut at the end. As soon as the desired tuning pitch has been established, the string can be locked by tightening the wing nut. By this means the instrument stays in tune for a longer period of time. The acoustic results of this mechanism were so good, that it was later adopted and developed by René Lacote who was Joseph Pons’ best student.
Gianni Accornero Translation by Alan Bagge
MAURO GIULIANI Konzerte Nr. 1 & 2 für Gitarre und Orchester In den ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts erlebte das Repertoire für Gitarre einen außergewöhnlichen Aufschwung, der mehr oder weniger zeitgleich mit einer wichtigen Veränderung am Instrument selbst stattfand: gegen Ende des 18. Jahrhunderts bekam die Gitarre zu den fünf Saiten, die sie schon besaß, eine sechste hinzu. In dieser neuen Ausführung wurde die Gitarre in ganz Europa schnell sehr populär. So kam es, daß vor allem in Spanien und Italien eine beträchtliche Zahl an Gitarristen die Bühne betrat und ausgehend von dem jeweiligen Herkunftsland die Gitarrenmusik in die großen europäischen Metropolen brachte, insbesondere nach Wien und Paris. Diese beiden Städte wurden dadurch für fast ein halbes Jahrhundert die wichtigsten Produktions- und Vertriebsstätten dieses Repertoires. Zu diesen Gitarrenkomponisten und -virtuosen gehörten u. a. Mauro Giuliani, Ferdinando Carulli, Fernando Sor, Dionisio Aguado, Filippo Gragnani und Matteo Carcassi. Ihre Namen sind mit einer der ruhmreichsten Epochen der Geschichte der Gitarre verbunden. Mauro Giuliani war wahrscheinlich der größte Gitarrist und Komponist für Gitarre des 19. Jahrhunderts. Er wurde in Bisceglie, nahe Bari, am 27. Juli 1781 geboren. Wir wissen kaum etwas über die Jahre seiner Ausbildung in Italien. Ende 1806 treffen wir ihn jedoch schon als vollendeten Künstler in Wien, wo er die besten Zeiten seiner Karriere erleben sollte, Beethoven, Hummel, Moscheles und viele der bedeutendsten Instrumentalisten und Komponisten, die in der österreichischen Hauptstadt tätig waren, kennenlernte und mit ihnen Freundschaft schloß. 1813 war Giuliani z. B. als Violoncellist an der Uraufführung der Siebten Symphonie von Beethoven beteiligt. Der Bonner Komponist war sicher ein Bewunderer des italienischen Kollegen, den er in seinen Konversationsheften immer mit viel Respekt erwähnt. Mit Ignaz Moscheles und Johann Nepomuk Hummel, zwei damals in Wien sehr beliebten Komponisten 6
und Klaviervirtuosen, arbeitete Giuliani mehrfach zusammen und trat mit ihnen in allseits beliebten und geschätzten Konzerten auf. Giuliani blieb in der österreichischen Haupstadt bis 1819 und kehrte dann nach Italien zurück. In seinem Heimatland war die Instrumentalmusik jedoch weit davon entfernt, so populär zu sein wie jenseits der Alpen. Giuliani konnte deshalb nicht an die Wiener Erfolge anknüpfen, auch wenn er bei Ricordi und anderen Verlegern verschiedene seiner Kompositionen veröffentlichte. Er starb in Neapel am 8. Mai 1829. Als für künstlerische Einflüsse sehr empfänglicher Mann wußte Giuliani mit großem Geschick das Erbe der italienischen Instrumentaltradition des 18. Jahrhunderts, deren direkter Nachkomme er war, mit den Errungenschaften der Wiener Musikkultur zu verbinden, die damals zu den fortschrittlichsten in Europa gehörte. Seine Werke sind im reinsten klassischen Stil verfaßt, zeigen aber eine Grazie und melodische Spontaneität, die typisch italienisch sind. Sein Schaffen umfaßt mehr als 150 Werknummern, plus verschiedene weitere nicht nummerierte oder nur handschriftlich überlieferte Werke. Zu den gelungensten Kompositionen gehören ohne Zweifel seine drei Konzerte für Gitarre und Orchester op. 30, 36 und 70 sowie einige sehr virtuose und effektvolle Stücke für Sologitarre, wie z. B. die Grand Ouverture op. 61 und die Sonate op. 15. Giuliani hat in seinen Kompositionen die technischen Möglichkeiten der Gitarre bedeutend erweitert, aus ihr ein KonzertInstrument im vollendeten Sinne gemacht und sie aus der beschränkten Rolle des Begleitinstruments, die ihr im Bereich der Kammermusik zuerkannt wurde, befreit. Die “Orchesterhaftigkeit”, die Giuliani der Gitarre verleiht, und die z.B. auch in der schon erwähnten Grande Ouverture op. 61 zutage tritt, zeigt sich vor allem dann, wenn das Instrument einem wirklichen Orchester gegenüber gestellt wird. Zusammen mit Ferdinando Carulli war Giuliani nämlich einer der ersten Komponisten des 19. Jahrhunderts, wenn nicht sogar der erste, der ein 7
Konzert für Gitarre und Orchester schrieb. Ein Unterfangen, das nicht ohne Risiko und ohne Probleme war, da die Gitarre mit ihrem geringen Klangvolumen leicht von einem etwas gewichtigeren Ensemble überdeckt wird. Das Konzert Nr. 1 in A Dur op. 30 wurde vermutlich in Wien am 3. April 1808 mit dem Komponisten als Solisten uraufgeführt und ist zweifelsohne das bekannteste und meistgespielte der drei Solokonzerte für Gitarre, die Giuliani uns hinterlassen hat. Es wurde 1810 in Wien in zwei verschiedenen Ausgaben gedruckt, einer originalen für Gitarre und Streicher und einer zweiten mit zusätzlichen Bläsern (bei dieser zweiten soll Hummel beteiligt gewesen sein). Es handelt sich wie üblich um ein Werk in drei Sätzen von typisch klassischem Zuschnitt, ein erhellendes Beispiel für die Verschmelzung von Wiener Klassik der Nachfolge Mozarts und der geistvoll-humoristischen Kantabilität wie sie für den besten Rossini kennzeichnend ist. Im ersten Satz, Allegro maestoso, in korrekter Sonatenhauptsatzform, begegnen wir einer breiten Orchesterexposition Wiener Stils, die dann den Raum ganz dem Solisten überläßt, der statt der üblichen einen zwei Kadenzen zugestanden bekommt. Giuliani behandelt das Orchester mit viel Feingefühl, sorgt dafür, daß es sich nie der Gitarre entgegenstellt und diese vielmehr immer sehr zurückhaltend begleitet. Der zweite Satz, Siciliana, ist ein entzückendes Andantino in e moll, ganz von zarter Kantabilität durchzogen, in der einige Gedanken volkstümlichen Ursprungs wie in eleganter Umgebung verwandelt erscheinen. Das Konzert endet mit einem spritzigen Rondò alla polacca, Allegretto, einem wahren Feuerwerk instrumentaler Virtuosität. Das Konzert Nr. 2 in A Dur op. 36 wurde 1812, zwei Jahre nach op. 30, beim Verleger Artaria gedruckt und ist eine Komposition, die in musikalischer Form und in der Behandlung der Instrumente dem vorhergehenden Konzert folgt, mit dem sie auch die von Giuliani bevorzugte Tonart A Dur teilt. Gleichwohl unterscheidet sie sich von diesem Vorgängerwerk durch einen komplexeren, stärker introvertierten,
Furthermore, the interior structural elements were also made using the same pattern and inserted on the same scale. It should in particular be emphasised, that the headstock with its ingenious system of pegs is identical with the other instrument both as regards design and technique. The innovative tuning mechanism consists of six ebony pegs which are fitted with a thread and a locking wing nut at the end. As soon as the desired tuning pitch has been established, the string can be locked by tightening the wing nut. By this means the instrument stays in tune for a longer period of time. The acoustic results of this mechanism were so good, that it was later adopted and developed by René Lacote who was Joseph Pons’ best student.
Gianni Accornero Translation by Alan Bagge
MAURO GIULIANI Konzerte Nr. 1 & 2 für Gitarre und Orchester In den ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts erlebte das Repertoire für Gitarre einen außergewöhnlichen Aufschwung, der mehr oder weniger zeitgleich mit einer wichtigen Veränderung am Instrument selbst stattfand: gegen Ende des 18. Jahrhunderts bekam die Gitarre zu den fünf Saiten, die sie schon besaß, eine sechste hinzu. In dieser neuen Ausführung wurde die Gitarre in ganz Europa schnell sehr populär. So kam es, daß vor allem in Spanien und Italien eine beträchtliche Zahl an Gitarristen die Bühne betrat und ausgehend von dem jeweiligen Herkunftsland die Gitarrenmusik in die großen europäischen Metropolen brachte, insbesondere nach Wien und Paris. Diese beiden Städte wurden dadurch für fast ein halbes Jahrhundert die wichtigsten Produktions- und Vertriebsstätten dieses Repertoires. Zu diesen Gitarrenkomponisten und -virtuosen gehörten u. a. Mauro Giuliani, Ferdinando Carulli, Fernando Sor, Dionisio Aguado, Filippo Gragnani und Matteo Carcassi. Ihre Namen sind mit einer der ruhmreichsten Epochen der Geschichte der Gitarre verbunden. Mauro Giuliani war wahrscheinlich der größte Gitarrist und Komponist für Gitarre des 19. Jahrhunderts. Er wurde in Bisceglie, nahe Bari, am 27. Juli 1781 geboren. Wir wissen kaum etwas über die Jahre seiner Ausbildung in Italien. Ende 1806 treffen wir ihn jedoch schon als vollendeten Künstler in Wien, wo er die besten Zeiten seiner Karriere erleben sollte, Beethoven, Hummel, Moscheles und viele der bedeutendsten Instrumentalisten und Komponisten, die in der österreichischen Hauptstadt tätig waren, kennenlernte und mit ihnen Freundschaft schloß. 1813 war Giuliani z. B. als Violoncellist an der Uraufführung der Siebten Symphonie von Beethoven beteiligt. Der Bonner Komponist war sicher ein Bewunderer des italienischen Kollegen, den er in seinen Konversationsheften immer mit viel Respekt erwähnt. Mit Ignaz Moscheles und Johann Nepomuk Hummel, zwei damals in Wien sehr beliebten Komponisten 6
und Klaviervirtuosen, arbeitete Giuliani mehrfach zusammen und trat mit ihnen in allseits beliebten und geschätzten Konzerten auf. Giuliani blieb in der österreichischen Haupstadt bis 1819 und kehrte dann nach Italien zurück. In seinem Heimatland war die Instrumentalmusik jedoch weit davon entfernt, so populär zu sein wie jenseits der Alpen. Giuliani konnte deshalb nicht an die Wiener Erfolge anknüpfen, auch wenn er bei Ricordi und anderen Verlegern verschiedene seiner Kompositionen veröffentlichte. Er starb in Neapel am 8. Mai 1829. Als für künstlerische Einflüsse sehr empfänglicher Mann wußte Giuliani mit großem Geschick das Erbe der italienischen Instrumentaltradition des 18. Jahrhunderts, deren direkter Nachkomme er war, mit den Errungenschaften der Wiener Musikkultur zu verbinden, die damals zu den fortschrittlichsten in Europa gehörte. Seine Werke sind im reinsten klassischen Stil verfaßt, zeigen aber eine Grazie und melodische Spontaneität, die typisch italienisch sind. Sein Schaffen umfaßt mehr als 150 Werknummern, plus verschiedene weitere nicht nummerierte oder nur handschriftlich überlieferte Werke. Zu den gelungensten Kompositionen gehören ohne Zweifel seine drei Konzerte für Gitarre und Orchester op. 30, 36 und 70 sowie einige sehr virtuose und effektvolle Stücke für Sologitarre, wie z. B. die Grand Ouverture op. 61 und die Sonate op. 15. Giuliani hat in seinen Kompositionen die technischen Möglichkeiten der Gitarre bedeutend erweitert, aus ihr ein KonzertInstrument im vollendeten Sinne gemacht und sie aus der beschränkten Rolle des Begleitinstruments, die ihr im Bereich der Kammermusik zuerkannt wurde, befreit. Die “Orchesterhaftigkeit”, die Giuliani der Gitarre verleiht, und die z.B. auch in der schon erwähnten Grande Ouverture op. 61 zutage tritt, zeigt sich vor allem dann, wenn das Instrument einem wirklichen Orchester gegenüber gestellt wird. Zusammen mit Ferdinando Carulli war Giuliani nämlich einer der ersten Komponisten des 19. Jahrhunderts, wenn nicht sogar der erste, der ein 7
Konzert für Gitarre und Orchester schrieb. Ein Unterfangen, das nicht ohne Risiko und ohne Probleme war, da die Gitarre mit ihrem geringen Klangvolumen leicht von einem etwas gewichtigeren Ensemble überdeckt wird. Das Konzert Nr. 1 in A Dur op. 30 wurde vermutlich in Wien am 3. April 1808 mit dem Komponisten als Solisten uraufgeführt und ist zweifelsohne das bekannteste und meistgespielte der drei Solokonzerte für Gitarre, die Giuliani uns hinterlassen hat. Es wurde 1810 in Wien in zwei verschiedenen Ausgaben gedruckt, einer originalen für Gitarre und Streicher und einer zweiten mit zusätzlichen Bläsern (bei dieser zweiten soll Hummel beteiligt gewesen sein). Es handelt sich wie üblich um ein Werk in drei Sätzen von typisch klassischem Zuschnitt, ein erhellendes Beispiel für die Verschmelzung von Wiener Klassik der Nachfolge Mozarts und der geistvoll-humoristischen Kantabilität wie sie für den besten Rossini kennzeichnend ist. Im ersten Satz, Allegro maestoso, in korrekter Sonatenhauptsatzform, begegnen wir einer breiten Orchesterexposition Wiener Stils, die dann den Raum ganz dem Solisten überläßt, der statt der üblichen einen zwei Kadenzen zugestanden bekommt. Giuliani behandelt das Orchester mit viel Feingefühl, sorgt dafür, daß es sich nie der Gitarre entgegenstellt und diese vielmehr immer sehr zurückhaltend begleitet. Der zweite Satz, Siciliana, ist ein entzückendes Andantino in e moll, ganz von zarter Kantabilität durchzogen, in der einige Gedanken volkstümlichen Ursprungs wie in eleganter Umgebung verwandelt erscheinen. Das Konzert endet mit einem spritzigen Rondò alla polacca, Allegretto, einem wahren Feuerwerk instrumentaler Virtuosität. Das Konzert Nr. 2 in A Dur op. 36 wurde 1812, zwei Jahre nach op. 30, beim Verleger Artaria gedruckt und ist eine Komposition, die in musikalischer Form und in der Behandlung der Instrumente dem vorhergehenden Konzert folgt, mit dem sie auch die von Giuliani bevorzugte Tonart A Dur teilt. Gleichwohl unterscheidet sie sich von diesem Vorgängerwerk durch einen komplexeren, stärker introvertierten,
eminent lyrischen Charakter. Dies wird schon in der Orchesterexposition des einleitenden Maestoso deutlich, in der die Kantabilität des op. 30 einer gebrochenen Melodiefindung Platz macht, die auf eine neue Empfindsamkeit vorausdeutet. Auch der zweite Satz, Andantino, ein klanglich außerordentlich feines Stück, läßt die schmeichelnden Töne des entsprechenden Satzes von op. 30 hinter sich, um zu einer subtileren Expressivität zu finden. Das Finale, Rondò – Allegretto, bewegt sich im Marschrhythmus, verzichtet aber nicht auf Virtuosität und eine fortschrittliche Harmonik mit recht moderner Verwendung von Chromatismen. Danilo Prefumo übersetzung von Daniel Brandenburg
Die Familie Pons und die “Pons l’aîné”-Gitarre Paris 1825 César Pons, aus Paris gebürtig, war Gitarren-, Geigen-, Harfen- und Drehleierbauer und hatte zwei Söhne, die beide seinen Beruf erlernten: Joseph und Louis David. Letzterer war die längste Zeit seines Lebens in Grenoble tätig, zusammen mit dem Vater César. Unternehmungslustiger und dynamischer war der Erstgeborene, Joseph, der das provinzielle Grenoble verließ und auf der Suche nach einer ausgesuchteren Kundschaft, die die Qualität seiner Arbeit besser zu schätzen wusste, nach Paris ging. Belegt ist, dass der Bruder Louis David zusammen mit dem Vater César ebenfalls für eine Weile nach Paris kam, vermutlich um dem Älteren Bruder zu helfen, die unzähligen Aufträge zu erfüllen. Joseph, der bis dahin seine Instrumente mit “Pons fils” (“Pons Sohn”) signiert hatte, so wie es auch Louis David in Grenoble tat, begann bei der Ankunft seines Bruders in Paris, um sich von diesem zu unterscheiden, seine Instrumente mit “Pons l’aîné” (“Pons, der Ältere”) zu kennzeichnen. Louis David änderte daraufhin sein Signum von “Pons fils” zu “Pons jeune” (“Pons, der Jüngere”). Die Gitarre von “Pons l’aîné”, die der Maestro Edoardo Catemario für diese Einspielung der ersten zwei Konzerte von Giuliani benutzt hat, wurde von Joseph Pons im Jahr 1825 in Paris nach einem ein paar Jahre zuvor ausprobierten Entwurf gebaut. Und tatsächlich ist dieses Instrument ein Zwilling dessen, das Joseph für die Kaiserin Marie-Louise von Habsburg, Frau des Napoleon gebaut hatte, die es dann dem Virtuosen Mauro Giuliani schenkte. Der machte es zu einem seiner Lieblingsinstrumente. Nicht nur das Modell stimmt überein, auch die verschiedenen Hölzer, die für den Bau benutzt wurden. Darüber hinaus wurden die inneren Strukturelemente nach demselben Muster und im selben Maßstab gebaut und eingesetzt. Hervorzuheben ist insbesondere auch, dass die Wirbelplatte in dem ausgeklügelten System der Wirbel in Planung und Technik ganz mit dem anderen Instrument übereinstimmt. 8
Der innovative Stimm-Mechanismus besteht aus sechs Holzzapfen aus Ebenholz, die an ihrem Ende mit einem Gewinde und einer Flügelschraube versehen sind. Die angebundene Saite kann, wenn die gewünschte Stimmung erreicht worden ist, dadurch blockiert werden, dass die Flügelschraube angezogen wird. Auf diese Weise wird gewährleistet, dass die Stimmung länger erhalten bleibt. Der Mechanismus war in seinem akustischen Ergebnis so gut, dass er später vom besten Schüler des Joseph Pons, René Lacote, übernommen und weiterentwickelt wurde.
Gianni Accornero übersetzung von Daniel Brandenburg
9
MAURO GIULIANI Concerts n° 1 & 2 pour Guitare et Orchestre Au cours des premières décennies du 19ème siècle, le répertoire pour la guitare connut un essor exceptionnel, correspondant à une transformation dont l’instrument fut l’objet à peu près à la même époque: vers la fin du 18ème siècle, la guitare se vit ajouter une sixième corde. La guitare devint vite très populaire sous cette nouvelle forme. Il en résulta que, surtout en Espagne et en Italie, un nombre non négligeable de guitaristes firent leur apparition, diffusant la musique de guitare à partir du pays d’origine respectif dans les grandes métropoles européennes, notamment Vienne et Paris. Ces deux villes devinrent ainsi pendant presque un demi-siècle les lieux majeurs de production et de diffusion de ce répertoire. Parmi les compositeurs et virtuoses se consacrant à la guitare, citons entre autres Mauro Giuliani, Ferdinando Carulli, Fernando Sor, Dionisio Aguado, Filippo Gragnani et Matteo Carcassi. Leurs noms sont liés à l’une des époques les plus glorieuses de l’histoire de la guitare. Mauro Giuliani fut sans doute le plus grand guitariste et compositeur pour la guitare du 19ème siècle. Il naquit à Bisceglie, près de Bari, le 27 juillet 1781. Nous ne savons pratiquement rien de ses années de formation en Italie. Mais fin 1806, nous le retrouvons déjà en artiste accompli à Vienne où il devait passer les meilleures années de sa carrière, faisant la connaissance et se liant d’amitié avec Beethoven, Hummel, Moscheles et beaucoup d’autres des instrumentalistes et compositeurs dominants qui travaillaient dans la capitale autrichienne. En 1813, Giuliani participa p. ex. en tant que violoncelliste à la création de la Septième Symphonie de Beethoven. Le compositeur de Bonn était de tout sûr un admirateur de son collègue italien qu’il évoque toujours avec beaucoup de respect dans ses cahiers de conversation. Giuliani travailla à plusieurs reprises en collaboration avec Ignaz Moscheles et Johann Nepomuk Hummel, deux compositeurs et pianistes virtuoses très
eminent lyrischen Charakter. Dies wird schon in der Orchesterexposition des einleitenden Maestoso deutlich, in der die Kantabilität des op. 30 einer gebrochenen Melodiefindung Platz macht, die auf eine neue Empfindsamkeit vorausdeutet. Auch der zweite Satz, Andantino, ein klanglich außerordentlich feines Stück, läßt die schmeichelnden Töne des entsprechenden Satzes von op. 30 hinter sich, um zu einer subtileren Expressivität zu finden. Das Finale, Rondò – Allegretto, bewegt sich im Marschrhythmus, verzichtet aber nicht auf Virtuosität und eine fortschrittliche Harmonik mit recht moderner Verwendung von Chromatismen. Danilo Prefumo übersetzung von Daniel Brandenburg
Die Familie Pons und die “Pons l’aîné”-Gitarre Paris 1825 César Pons, aus Paris gebürtig, war Gitarren-, Geigen-, Harfen- und Drehleierbauer und hatte zwei Söhne, die beide seinen Beruf erlernten: Joseph und Louis David. Letzterer war die längste Zeit seines Lebens in Grenoble tätig, zusammen mit dem Vater César. Unternehmungslustiger und dynamischer war der Erstgeborene, Joseph, der das provinzielle Grenoble verließ und auf der Suche nach einer ausgesuchteren Kundschaft, die die Qualität seiner Arbeit besser zu schätzen wusste, nach Paris ging. Belegt ist, dass der Bruder Louis David zusammen mit dem Vater César ebenfalls für eine Weile nach Paris kam, vermutlich um dem Älteren Bruder zu helfen, die unzähligen Aufträge zu erfüllen. Joseph, der bis dahin seine Instrumente mit “Pons fils” (“Pons Sohn”) signiert hatte, so wie es auch Louis David in Grenoble tat, begann bei der Ankunft seines Bruders in Paris, um sich von diesem zu unterscheiden, seine Instrumente mit “Pons l’aîné” (“Pons, der Ältere”) zu kennzeichnen. Louis David änderte daraufhin sein Signum von “Pons fils” zu “Pons jeune” (“Pons, der Jüngere”). Die Gitarre von “Pons l’aîné”, die der Maestro Edoardo Catemario für diese Einspielung der ersten zwei Konzerte von Giuliani benutzt hat, wurde von Joseph Pons im Jahr 1825 in Paris nach einem ein paar Jahre zuvor ausprobierten Entwurf gebaut. Und tatsächlich ist dieses Instrument ein Zwilling dessen, das Joseph für die Kaiserin Marie-Louise von Habsburg, Frau des Napoleon gebaut hatte, die es dann dem Virtuosen Mauro Giuliani schenkte. Der machte es zu einem seiner Lieblingsinstrumente. Nicht nur das Modell stimmt überein, auch die verschiedenen Hölzer, die für den Bau benutzt wurden. Darüber hinaus wurden die inneren Strukturelemente nach demselben Muster und im selben Maßstab gebaut und eingesetzt. Hervorzuheben ist insbesondere auch, dass die Wirbelplatte in dem ausgeklügelten System der Wirbel in Planung und Technik ganz mit dem anderen Instrument übereinstimmt. 8
Der innovative Stimm-Mechanismus besteht aus sechs Holzzapfen aus Ebenholz, die an ihrem Ende mit einem Gewinde und einer Flügelschraube versehen sind. Die angebundene Saite kann, wenn die gewünschte Stimmung erreicht worden ist, dadurch blockiert werden, dass die Flügelschraube angezogen wird. Auf diese Weise wird gewährleistet, dass die Stimmung länger erhalten bleibt. Der Mechanismus war in seinem akustischen Ergebnis so gut, dass er später vom besten Schüler des Joseph Pons, René Lacote, übernommen und weiterentwickelt wurde.
Gianni Accornero übersetzung von Daniel Brandenburg
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MAURO GIULIANI Concerts n° 1 & 2 pour Guitare et Orchestre Au cours des premières décennies du 19ème siècle, le répertoire pour la guitare connut un essor exceptionnel, correspondant à une transformation dont l’instrument fut l’objet à peu près à la même époque: vers la fin du 18ème siècle, la guitare se vit ajouter une sixième corde. La guitare devint vite très populaire sous cette nouvelle forme. Il en résulta que, surtout en Espagne et en Italie, un nombre non négligeable de guitaristes firent leur apparition, diffusant la musique de guitare à partir du pays d’origine respectif dans les grandes métropoles européennes, notamment Vienne et Paris. Ces deux villes devinrent ainsi pendant presque un demi-siècle les lieux majeurs de production et de diffusion de ce répertoire. Parmi les compositeurs et virtuoses se consacrant à la guitare, citons entre autres Mauro Giuliani, Ferdinando Carulli, Fernando Sor, Dionisio Aguado, Filippo Gragnani et Matteo Carcassi. Leurs noms sont liés à l’une des époques les plus glorieuses de l’histoire de la guitare. Mauro Giuliani fut sans doute le plus grand guitariste et compositeur pour la guitare du 19ème siècle. Il naquit à Bisceglie, près de Bari, le 27 juillet 1781. Nous ne savons pratiquement rien de ses années de formation en Italie. Mais fin 1806, nous le retrouvons déjà en artiste accompli à Vienne où il devait passer les meilleures années de sa carrière, faisant la connaissance et se liant d’amitié avec Beethoven, Hummel, Moscheles et beaucoup d’autres des instrumentalistes et compositeurs dominants qui travaillaient dans la capitale autrichienne. En 1813, Giuliani participa p. ex. en tant que violoncelliste à la création de la Septième Symphonie de Beethoven. Le compositeur de Bonn était de tout sûr un admirateur de son collègue italien qu’il évoque toujours avec beaucoup de respect dans ses cahiers de conversation. Giuliani travailla à plusieurs reprises en collaboration avec Ignaz Moscheles et Johann Nepomuk Hummel, deux compositeurs et pianistes virtuoses très
appréciés à Vienne à l’époque, se produisant avec eux dans des concerts tenus partout en très haute estime. Giuliani resta dans la capitale autrichienne jusqu’en 1819 et retourna ensuite en Italie. Mais dans son pays, la musique instrumentale était encore loin d’être aussi populaire que de l’autre côté des Alpes. C’est pourquoi Giuliani ne put y renouveler les succès viennois, même s’il publia diverses compositions chez Ricordi et d’autres éditeurs. Il mourut à Naples le 8 mai 1829. Homme très réceptif aux influences artistiques, Giuliani sut allier avec une grande dextérité l’héritage de la tradition instrumentale italienne du 18ème siècle, dont il était le descendant direct, aux conquêtes de la culture musicale viennoise qui comptait à l’époque parmi les plus progressistes d’Europe. Ses œuvres sont d’un style classique le plus pur mais sont dotées d’une grâce et d’une spontanéité mélodique typiquement italiennes. Son œuvre embrasse plus de 150 numéros d’opus, sans compter diverses pièces non numérotées ou conservées seulement à l’état de manuscrits. Parmi les compositions les plus réussies, citons sans hésiter ses trois Concertos pour guitare et orchestre op. 30, 36 et 70, ainsi que quelques morceaux très virtuoses et pleins d’effets pour guitare seule, comme p. ex. la Grande Ouverture op. 61 et la Sonate op. 15. Dans ses compositions, Giuliani a considérablement élargi les possibilités techniques de la guitare, faisant d’elle un instrument de concert à part entière et l’émancipant du rôle limité d’instrument d’accompagnement où la confinait la musique de chambre. La “faculté orchestrale”, que prête Giuliani à la guitare, et qui se révèle aussi p. ex. dans la Grande Ouverture op. 61 déjà mentionnée, se déploie totalement lorsque l’instrument est confronté à un véritable orchestre. Avec Ferdinando Carulli, Giuliani fut en effet l’un des premiers compositeurs du 19ème siècle, peut-être même le premier, à écrire un concerto pour guitare et orchestre. Une entreprise qui n’allait pas sans risques et sans problèmes, la guitare étant facilement couverte par un ensemble un peu important en raison de son volume sonore restreint. Le Concerto n° 1 en la majeur op. 30 fut sans doute
créé à Vienne le 3 avril 1808, le compositeur tenant la partie soliste. Il est sans aucun doute le plus connu et le plus joué des trois concertos solo pour guitare que Giuliani a écrits. Il fut imprimé en 1810 à Vienne dans deux éditions différentes, une originale pour guitare et cordes et une seconde comportant en plus des instruments à vent (il semble que Hummel ait contribué à cette seconde version). Il s’agit comme à l’ordinaire d’une pièce en trois mouvements de format typiquement classique, exemple lumineux de la fusion entre le classicisme viennois dans la tradition mozartienne et le lyrisme pein d’esprit et d’humour caractéristique du meilleur Rossini. Le premier mouvement, Allegro maestoso, dans la forme correcte de mouvement principal de sonate, nous fait découvrir une large exposition orchestrale de style viennois, faisant ensuite place au soliste à qui sont confiées non pas une mais deux cadences. Giuliani traite l’orchestre avec une grande délicatesse, veille à ce qu’il ne s’oppose jamais à la guitare et l’accompagne toujours avec beaucoup de retenue. Le second mouvement, Siciliana, est un ravissant Andantino en mi mineur, baigné d’un lyrisme tendre, dans lequel quelques inspirations d’origine populaires apparaissent comme transposées dans un contexte élégant. Le concerto s’achève sur un vif Rondò alla polacca, Allegretto, véritable feu d’artifice de virtuosité instrumentale. Le Concerto n° 2 en la majeur op. 36 fut gravé en 1812, deux ans après l’op. 30, aux éditions Artaria. Il s’agit d’une composition proche du concerto précédent dans la forme musicale et le traitement des instruments, avec lequel il partage aussi la tonalité de la majeur qu’affectionne Giuliani. Pourtant, elle se distingue de l’œuvre précédente par un caractère plus complexe, fortement introverti, éminemment lyrique. Ceci est évident dès l’exposition orchestrale du Maestoso introductif dans laquelle le lyrisme de l’op. 30 fait place à des idées mélodiques rompues qui annoncent la nouvelle sensibilité. Le deuxième mouvement, Andantino, est lui aussi extrêmement subtil sur le plan sonore, laisse derrière lui les sons flatteurs du mouvement correspondant de l’op. 30 10
pour trouver une expressivité plus subtile. Le Finale, Rondò - Allegretto, se meut au rythme d’une marche, sans renoncer à la virtuosité et à des harmonies audacieuses recourant à des chromatismes d’une grande modernité.
Danilo Prefumo Traduction de Sylvie Coquillat
La Famille Pons et la guitare de “Pons l’aîné”, Paris 1825 César Pons, d’origine parisienne, était luthier, facteur de guitare, de harpe et de vielle à roue. Il avait deux fils qui apprirent tous deux son métier: Joseph et Louis David. Ce dernier passa la majeure partie de sa vie à Grenoble, restant auprès de son père, César. Joseph, l’aîné, de tempérament plus entreprenant et plus dynamique, quitta Grenoble et sa province pour s’établir à Paris, à la recherche d’une clientèle choisie mieux à même d’apprécier la qualité de son travail à sa juste valeur. Il est attesté que son frère séjourna quelques temps à Paris avec son père, sans doute afin d’aider l’aîné à venir à bout de ses innombrables commandes. Joseph, qui avait jusqu’ici signé ces instruments “Pons fils”, tout comme Louis David le faisait à Grenoble, commença, à l’arrivée de son frère à Paris, à faire la distinction entre eux en signant ses instruments “Pons l’ainé”. Louis David modifia alors sa signature de “Pons fils” en “Pons jeune”. La guitare de “Pons l’aîné”, que le Maestro Edoardo Catemario a utilisée pour cet enregistrement des deux premiers concertos de Giuliani, fut construite par Joseph Pons en l’an 1825 à Paris, d’après un prototype mis en application quelques années auparavant. Et en effet, cet instrument est le jumeau de celui que Joseph avait construit pour l’impératrice Marie-Louise de Habsbourg, femme de Napoléon, qui en fit don ensuite au virtuose Mauro Giuliani. Le maître en fit l’un de ses instruments favoris. Non seulement le modèle est conforme mais aussi les différents bois utilisés pour la construction. En outre, les éléments structurels intérieurs furent 11
construits et placés selon le même modèle et aux même dimensions. Il faut souligner notamment que le chevillier à disque dans le système sophistiqué des chevilles concernant la planification et la technique concordent parfaitement avec l’autre instrument. Le mécanisme innovateur d’accord se compose de six tenons en ébène, dotés à leur extrêmité d’un filet et d’une vis papillon. La corde reliée peut ainsi être bloquée lorsque l’on a atteint l’accord souhaité en serrant la vis papillon. Ceci permet de maintenir l’accord plus longtemps. Le mécanisme était si bon dans son résultat acoustique qu’il fut repris plus tard et perfectionné par le meilleur élève de Joseph Pons, René Lacote.
Gianni Accornero Traduction de Sylvie Coquillat
appréciés à Vienne à l’époque, se produisant avec eux dans des concerts tenus partout en très haute estime. Giuliani resta dans la capitale autrichienne jusqu’en 1819 et retourna ensuite en Italie. Mais dans son pays, la musique instrumentale était encore loin d’être aussi populaire que de l’autre côté des Alpes. C’est pourquoi Giuliani ne put y renouveler les succès viennois, même s’il publia diverses compositions chez Ricordi et d’autres éditeurs. Il mourut à Naples le 8 mai 1829. Homme très réceptif aux influences artistiques, Giuliani sut allier avec une grande dextérité l’héritage de la tradition instrumentale italienne du 18ème siècle, dont il était le descendant direct, aux conquêtes de la culture musicale viennoise qui comptait à l’époque parmi les plus progressistes d’Europe. Ses œuvres sont d’un style classique le plus pur mais sont dotées d’une grâce et d’une spontanéité mélodique typiquement italiennes. Son œuvre embrasse plus de 150 numéros d’opus, sans compter diverses pièces non numérotées ou conservées seulement à l’état de manuscrits. Parmi les compositions les plus réussies, citons sans hésiter ses trois Concertos pour guitare et orchestre op. 30, 36 et 70, ainsi que quelques morceaux très virtuoses et pleins d’effets pour guitare seule, comme p. ex. la Grande Ouverture op. 61 et la Sonate op. 15. Dans ses compositions, Giuliani a considérablement élargi les possibilités techniques de la guitare, faisant d’elle un instrument de concert à part entière et l’émancipant du rôle limité d’instrument d’accompagnement où la confinait la musique de chambre. La “faculté orchestrale”, que prête Giuliani à la guitare, et qui se révèle aussi p. ex. dans la Grande Ouverture op. 61 déjà mentionnée, se déploie totalement lorsque l’instrument est confronté à un véritable orchestre. Avec Ferdinando Carulli, Giuliani fut en effet l’un des premiers compositeurs du 19ème siècle, peut-être même le premier, à écrire un concerto pour guitare et orchestre. Une entreprise qui n’allait pas sans risques et sans problèmes, la guitare étant facilement couverte par un ensemble un peu important en raison de son volume sonore restreint. Le Concerto n° 1 en la majeur op. 30 fut sans doute
créé à Vienne le 3 avril 1808, le compositeur tenant la partie soliste. Il est sans aucun doute le plus connu et le plus joué des trois concertos solo pour guitare que Giuliani a écrits. Il fut imprimé en 1810 à Vienne dans deux éditions différentes, une originale pour guitare et cordes et une seconde comportant en plus des instruments à vent (il semble que Hummel ait contribué à cette seconde version). Il s’agit comme à l’ordinaire d’une pièce en trois mouvements de format typiquement classique, exemple lumineux de la fusion entre le classicisme viennois dans la tradition mozartienne et le lyrisme pein d’esprit et d’humour caractéristique du meilleur Rossini. Le premier mouvement, Allegro maestoso, dans la forme correcte de mouvement principal de sonate, nous fait découvrir une large exposition orchestrale de style viennois, faisant ensuite place au soliste à qui sont confiées non pas une mais deux cadences. Giuliani traite l’orchestre avec une grande délicatesse, veille à ce qu’il ne s’oppose jamais à la guitare et l’accompagne toujours avec beaucoup de retenue. Le second mouvement, Siciliana, est un ravissant Andantino en mi mineur, baigné d’un lyrisme tendre, dans lequel quelques inspirations d’origine populaires apparaissent comme transposées dans un contexte élégant. Le concerto s’achève sur un vif Rondò alla polacca, Allegretto, véritable feu d’artifice de virtuosité instrumentale. Le Concerto n° 2 en la majeur op. 36 fut gravé en 1812, deux ans après l’op. 30, aux éditions Artaria. Il s’agit d’une composition proche du concerto précédent dans la forme musicale et le traitement des instruments, avec lequel il partage aussi la tonalité de la majeur qu’affectionne Giuliani. Pourtant, elle se distingue de l’œuvre précédente par un caractère plus complexe, fortement introverti, éminemment lyrique. Ceci est évident dès l’exposition orchestrale du Maestoso introductif dans laquelle le lyrisme de l’op. 30 fait place à des idées mélodiques rompues qui annoncent la nouvelle sensibilité. Le deuxième mouvement, Andantino, est lui aussi extrêmement subtil sur le plan sonore, laisse derrière lui les sons flatteurs du mouvement correspondant de l’op. 30 10
pour trouver une expressivité plus subtile. Le Finale, Rondò - Allegretto, se meut au rythme d’une marche, sans renoncer à la virtuosité et à des harmonies audacieuses recourant à des chromatismes d’une grande modernité.
Danilo Prefumo Traduction de Sylvie Coquillat
La Famille Pons et la guitare de “Pons l’aîné”, Paris 1825 César Pons, d’origine parisienne, était luthier, facteur de guitare, de harpe et de vielle à roue. Il avait deux fils qui apprirent tous deux son métier: Joseph et Louis David. Ce dernier passa la majeure partie de sa vie à Grenoble, restant auprès de son père, César. Joseph, l’aîné, de tempérament plus entreprenant et plus dynamique, quitta Grenoble et sa province pour s’établir à Paris, à la recherche d’une clientèle choisie mieux à même d’apprécier la qualité de son travail à sa juste valeur. Il est attesté que son frère séjourna quelques temps à Paris avec son père, sans doute afin d’aider l’aîné à venir à bout de ses innombrables commandes. Joseph, qui avait jusqu’ici signé ces instruments “Pons fils”, tout comme Louis David le faisait à Grenoble, commença, à l’arrivée de son frère à Paris, à faire la distinction entre eux en signant ses instruments “Pons l’ainé”. Louis David modifia alors sa signature de “Pons fils” en “Pons jeune”. La guitare de “Pons l’aîné”, que le Maestro Edoardo Catemario a utilisée pour cet enregistrement des deux premiers concertos de Giuliani, fut construite par Joseph Pons en l’an 1825 à Paris, d’après un prototype mis en application quelques années auparavant. Et en effet, cet instrument est le jumeau de celui que Joseph avait construit pour l’impératrice Marie-Louise de Habsbourg, femme de Napoléon, qui en fit don ensuite au virtuose Mauro Giuliani. Le maître en fit l’un de ses instruments favoris. Non seulement le modèle est conforme mais aussi les différents bois utilisés pour la construction. En outre, les éléments structurels intérieurs furent 11
construits et placés selon le même modèle et aux même dimensions. Il faut souligner notamment que le chevillier à disque dans le système sophistiqué des chevilles concernant la planification et la technique concordent parfaitement avec l’autre instrument. Le mécanisme innovateur d’accord se compose de six tenons en ébène, dotés à leur extrêmité d’un filet et d’une vis papillon. La corde reliée peut ainsi être bloquée lorsque l’on a atteint l’accord souhaité en serrant la vis papillon. Ceci permet de maintenir l’accord plus longtemps. Le mécanisme était si bon dans son résultat acoustique qu’il fut repris plus tard et perfectionné par le meilleur élève de Joseph Pons, René Lacote.
Gianni Accornero Traduction de Sylvie Coquillat
Edoardo Catemario (seated) and Gianni Accornero, collector, restorer and luthier with Giuliani’s original guitar (Pons l’aîné 1825), which was utilized for this recording. 12
MAURO GIULIANI Concerti n. 1 & 2 per Chitarra ed Archi I primi decenni del diannovesimo secolo videro un’eccezionale fioritura della letteratura per chitarra. L’esplosione del fenomeno fu pressoché concomitante con una importante modifica nella struttura dello strumento che, verso la fine del Settecento, venne ad aggiungere una sesta corda alle cinque che già possedeva. Nella nuova versione a sei corde, la chitarra divenne rapidamente assai popolare in tutta Europa. Fu così che, specialmente in Italia e Spagna, si affermò una schiera di chitarristi che, partendo dai loro paesi natali, portarono il verbo chitarristico nelle grandi capitali musicali europee, e in special modo a Vienna e Parigi, che per quasi mezzo secolo furono dunque i principali centri di produzione e smercio editoriale della musica per chitarra. Questi chitarristicompositori si chiamavano Mauro Giuliani, Ferdinando Carulli, Fernando Sor, Dionisio Aguado, Filippo Gragnani, Matteo Carcassi, etc.; ai loro nomi è legato uno dei periodi più splendidi della storia della chitarra. Mauro Giuliani fu probabilmente il più grande chitarrista compositore del diciannovesimo secolo. Nacque a Bisceglie, presso Bari, il 27 luglio del 1781. Poco o nulla sappiamo dei suoi anni di formazione in Italia; ma sul finire del 1806 lo troviamo già artista completo a Vienna, dove trascorrerà il periodo migliore della sua carriera e dove conoscerà Beethoven, Hummel, Moscheles e molti dei più importanti strumentisti e compositori che nella capitale austriaca erano attivi e coi quali ebbe rapporti di amicizia e di collaborazione. Nel 1813, ad esempio, Giuliani suonò il violoncello alla prima esecuzione della Settima Sinfonia di Beethoven; il compositore di Bonn, d’altro canto, fu sicuramente un estimatore del collega italiano, da lui nominato sempre in tono molto rispettoso nei suoi quaderni di conversazione. Con Ignaz Moscheles e Johann Nepomuk Hummel, due pianisti-compositori allora assai in voga a Vienna, Giuliani ebbe modo di collaborare ripetutamente, tenendo con loro dei concerti assai apprezzati e 13
popolari. Nella capitale austriaca Giuliani rimase fino al 1819, anno in cui dovette far ritorno in Italia; nel suo paese natale, in cui la musica strumentale era ben lungi dal godere della popolarità che le arrideva oltralpe, il chitarrista pugliese non riuscì a rinnovare i successi viennesi, anche se pubblicò diverse sue composizioni presso Ricordi ed altri editori. Morì a Napoli l’8 maggio 1829. Dotato di uno spirito profondamente ricettivo, Giuliani seppe fondere con grande abilità nelle sue opere l’eredità della tradizione strumentale italiana del diciottesimo secolo, da cui direttamente discendeva, con le acquisizioni della civiltà musicale viennese, allora all’avanguardia in Europa. Le sue opere sono concepite nel più puro stile classico, ma rivelano una grazia ed una spontaneità melodica che sono tipicamente italiane. La sua produzione comprende oltre centocinquanta numeri d’opus, più diverse altre opere non numerate o rimaste manoscritte. Il meglio di questa produzione va ricercato senz’altro nei tre Concerti per chitarra e orchestra op. 30, 36 e 70 e in alcune opere per chitarra sola di alto impegno virtuosistico e di grande effetto, come ad esempio la Grande Ouverture op. 61 e la Sonata op.15. Nelle sue composizioni Giuliani ha ampliato notevolmente le risorse tecniche della chitarra, facendone uno strumento da concerto nel senso più completo e liberandola dal ruolo esecutivamente subordinato e limitato al solo accompagnamento che tradizionalmente le competeva nell’ambito della musica da camera. L’”orchestralità” della scrittura chitarristica di Giuliani – evidente ad esempio nella già citata Grande Ouverture op. 61 – emerge poi con assoluta chiarezza allorché la chitarra viene posta di fronte ad un’orchestra vera e propria. Insieme con Ferdinando Carulli, infatti, Giuliani è stato uno dei primi autori dell’Ottocento – se non il primo in assoluto - a scrivere un concerto per chitarra e orchestra: impresa non poco rischiosa e problematica, dal momento che la chitarra, col suo ridotto volume sonoro, rischia facilmente di essere coperta da un ensemble strumentale di un qualche peso.
Edoardo Catemario (seated) and Gianni Accornero, collector, restorer and luthier with Giuliani’s original guitar (Pons l’aîné 1825), which was utilized for this recording. 12
MAURO GIULIANI Concerti n. 1 & 2 per Chitarra ed Archi I primi decenni del diannovesimo secolo videro un’eccezionale fioritura della letteratura per chitarra. L’esplosione del fenomeno fu pressoché concomitante con una importante modifica nella struttura dello strumento che, verso la fine del Settecento, venne ad aggiungere una sesta corda alle cinque che già possedeva. Nella nuova versione a sei corde, la chitarra divenne rapidamente assai popolare in tutta Europa. Fu così che, specialmente in Italia e Spagna, si affermò una schiera di chitarristi che, partendo dai loro paesi natali, portarono il verbo chitarristico nelle grandi capitali musicali europee, e in special modo a Vienna e Parigi, che per quasi mezzo secolo furono dunque i principali centri di produzione e smercio editoriale della musica per chitarra. Questi chitarristicompositori si chiamavano Mauro Giuliani, Ferdinando Carulli, Fernando Sor, Dionisio Aguado, Filippo Gragnani, Matteo Carcassi, etc.; ai loro nomi è legato uno dei periodi più splendidi della storia della chitarra. Mauro Giuliani fu probabilmente il più grande chitarrista compositore del diciannovesimo secolo. Nacque a Bisceglie, presso Bari, il 27 luglio del 1781. Poco o nulla sappiamo dei suoi anni di formazione in Italia; ma sul finire del 1806 lo troviamo già artista completo a Vienna, dove trascorrerà il periodo migliore della sua carriera e dove conoscerà Beethoven, Hummel, Moscheles e molti dei più importanti strumentisti e compositori che nella capitale austriaca erano attivi e coi quali ebbe rapporti di amicizia e di collaborazione. Nel 1813, ad esempio, Giuliani suonò il violoncello alla prima esecuzione della Settima Sinfonia di Beethoven; il compositore di Bonn, d’altro canto, fu sicuramente un estimatore del collega italiano, da lui nominato sempre in tono molto rispettoso nei suoi quaderni di conversazione. Con Ignaz Moscheles e Johann Nepomuk Hummel, due pianisti-compositori allora assai in voga a Vienna, Giuliani ebbe modo di collaborare ripetutamente, tenendo con loro dei concerti assai apprezzati e 13
popolari. Nella capitale austriaca Giuliani rimase fino al 1819, anno in cui dovette far ritorno in Italia; nel suo paese natale, in cui la musica strumentale era ben lungi dal godere della popolarità che le arrideva oltralpe, il chitarrista pugliese non riuscì a rinnovare i successi viennesi, anche se pubblicò diverse sue composizioni presso Ricordi ed altri editori. Morì a Napoli l’8 maggio 1829. Dotato di uno spirito profondamente ricettivo, Giuliani seppe fondere con grande abilità nelle sue opere l’eredità della tradizione strumentale italiana del diciottesimo secolo, da cui direttamente discendeva, con le acquisizioni della civiltà musicale viennese, allora all’avanguardia in Europa. Le sue opere sono concepite nel più puro stile classico, ma rivelano una grazia ed una spontaneità melodica che sono tipicamente italiane. La sua produzione comprende oltre centocinquanta numeri d’opus, più diverse altre opere non numerate o rimaste manoscritte. Il meglio di questa produzione va ricercato senz’altro nei tre Concerti per chitarra e orchestra op. 30, 36 e 70 e in alcune opere per chitarra sola di alto impegno virtuosistico e di grande effetto, come ad esempio la Grande Ouverture op. 61 e la Sonata op.15. Nelle sue composizioni Giuliani ha ampliato notevolmente le risorse tecniche della chitarra, facendone uno strumento da concerto nel senso più completo e liberandola dal ruolo esecutivamente subordinato e limitato al solo accompagnamento che tradizionalmente le competeva nell’ambito della musica da camera. L’”orchestralità” della scrittura chitarristica di Giuliani – evidente ad esempio nella già citata Grande Ouverture op. 61 – emerge poi con assoluta chiarezza allorché la chitarra viene posta di fronte ad un’orchestra vera e propria. Insieme con Ferdinando Carulli, infatti, Giuliani è stato uno dei primi autori dell’Ottocento – se non il primo in assoluto - a scrivere un concerto per chitarra e orchestra: impresa non poco rischiosa e problematica, dal momento che la chitarra, col suo ridotto volume sonoro, rischia facilmente di essere coperta da un ensemble strumentale di un qualche peso.
Il Concerto n. 1 in La maggiore op. 30 fu probabilmente eseguito per la prima volta a Vienna, con l’autore come solista, il 3 aprile del 1808, ed è senz’altro il più celebre ed eseguito dei tre concerti per chitarra e orchestra che Giuliani ci ha lasciato. Esso fu pubblicato nel 1810 a Vienna in due diverse edizioni, una originale per chitarra e archi ed un’altra con l’aggiunta dei fiati (per la cui stesura si è parlato di un possibile contributo di Hummel). Si tratta di un’opera articolata nei consueti tre movimenti, dal taglio squisitamente classico, illuminante esempio di fusione fra il classicismo viennese erede di Mozart e la cantabilità condita di fine umorismo tipica del miglior Rossini. Nel primo tempo, Allegro maestoso, scritto in una regolare forma sonata, troviamo un’ampia introduzione orchestrale, di gusto viennese, che poi lascia completamente spazio al solista, il quale si concede ben due cadenze anziché una sola. Giuliani tratta l’orchestra con molta discrezione, e fa in modo che essa non si opponga mai alla chitarra, ma l’accompagni sempre con molta discrezione. Il secondo tempo, Siciliana, è un delizioso Andantino in Mi minore, tutto pervaso da una cantabilità tenue e soffusa, in cui gli spunti di ascendenza popolaresca appaiono come trasfigurati in un contesto strumentale di raffinata eleganza. Conclude il concerto un effervescente Rondò alla polacca, Allegretto, autentico fuoco d’artificio di virtuosismo strumentale. Pubblicato dall’editore Artaria di Vienna due anni dopo l’op. 30, nel 1812, il Concerto n. 2 in La maggiore op. 36 è un lavoro che, pur ricalcando per molti aspetti la forma e le modalità di scrittura strumentale del precedente, con il quale condivide anche la tonalità di La maggiore, prediletta da Giuliani, se ne distacca tuttavia per una concezione più introversa e complessa, di carattere eminentemente lirico. Tutto ciò appare evidente fin dall’introduzione orchestrale del Maestoso iniziale, in cui la distesa cantabilità dell’op. 30 cede il posto ad un melodizzare più spezzato, già presago di una nuova sensibilità. Anche il secondo movimento, Andantino, di straordinaria raffinatezza timbrica, abbandona le maniere suadenti
del movimento analogo dell’op. 30 per cercare una sua espressività più ricercata. Il finale, Rondò, Allegretto, si svolge su andamenti di marcia, e senza rinunciare affatto al virtuosismo mostra una concezione armonica decisamente aggiornata e un uso assai moderno del cromatismo. Danilo Prefumo La Famiglia Pons e la chitarra “Pons l’aîné” - Parigi - 1825 César Pons, nativo di Parigi, costruttore di chitarre, violini, arpe e ghironde ebbe due figli, anch’essi liutai: Joseph e Louis David. Quest’ultimo fu attivo a Grenoble per la maggior parte della sua vita, unitamente al padre César. Più intraprendente e dinamico fu il primogenito Joseph che lascio’ la provinciale Grenoble alla volta di Parigi alla ricerca di una clientela più elitaria, in grado di apprezzare in pieno la qualità del suo lavoro. È certo che il fratello Louis David, forse unitamente al padre César, raggiunse per un certo periodo Joseph a Parigi, probabilmente per aiutarlo a soddisfare le innumerevoli commesse. Joseph, che fino ad allora aveva firmato i suoi strumenti con l’appellativo di ”Pons fils” (Pons figlio) come del resto faceva Louis David a Grenoble, all’arrivo di quest’ultimo a Parigi, per distinguersi, prese a firmare i suoi strumenti con l’appellativo di “Pons l’aîné“ (Pons il primogenito). Di conseguenza Louis David cambio’ il suo appellativo da “Pons fils” a “Pons jeune” (Pons il giovane ). La chitarra “Pons l’aîné”, datata 1825, che il maestro Edoardo Catemario ha usato per l’incisione dei primi due concerti di Giuliani fu costruita da Joseph Pons a Parigi, nell’anno 1825, seguendo un progetto costruttivo sperimentato già qualche anno prima. Infatti, questa chitarra è praticamente la gemella di quella costruita dallo stesso - Joseph per l’Imperatrice Marie-Louise d’Asburgo, moglie di Napoleone e poi da questa donata al virtuoso Mauro Giuliani, che ne fece uno dei suoi strumenti preferiti. 14
Non solo il modello usato e’ lo stesso, ma lo sono anche i diversi legni utilizzati per l’intera costruzione. Inoltre anche gli elementi strutturali interni sono costruiti, dimensionati e posizionati allo stesso modo. Da notare, in particolar modo, la paletta la quale rivela, nella raffinata realizzazione del sistema di accordatura, le stesse caratteristiche progettuali ed esecutive. L’innovativo sistema di accordatura è costituito da sei piroli in legno di ebano muniti, sulla parte terminante, di un perno filettato e di un dado a farfalla. La corda vincolata al meccanismo, una volta raggiunta l’intonazione desiderata, viene bloccata stringendo il dado a farfalla sul perno filettato, assicurando così una tenuta più lunga dell’accordatura. Questo progetto dette risultati acustici tanto soddisfacenti da essere poi utilizzato e sviluppato anche dal migliore allievo di Joseph Pons, René Lacote. Gianni Accornero
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Il Concerto n. 1 in La maggiore op. 30 fu probabilmente eseguito per la prima volta a Vienna, con l’autore come solista, il 3 aprile del 1808, ed è senz’altro il più celebre ed eseguito dei tre concerti per chitarra e orchestra che Giuliani ci ha lasciato. Esso fu pubblicato nel 1810 a Vienna in due diverse edizioni, una originale per chitarra e archi ed un’altra con l’aggiunta dei fiati (per la cui stesura si è parlato di un possibile contributo di Hummel). Si tratta di un’opera articolata nei consueti tre movimenti, dal taglio squisitamente classico, illuminante esempio di fusione fra il classicismo viennese erede di Mozart e la cantabilità condita di fine umorismo tipica del miglior Rossini. Nel primo tempo, Allegro maestoso, scritto in una regolare forma sonata, troviamo un’ampia introduzione orchestrale, di gusto viennese, che poi lascia completamente spazio al solista, il quale si concede ben due cadenze anziché una sola. Giuliani tratta l’orchestra con molta discrezione, e fa in modo che essa non si opponga mai alla chitarra, ma l’accompagni sempre con molta discrezione. Il secondo tempo, Siciliana, è un delizioso Andantino in Mi minore, tutto pervaso da una cantabilità tenue e soffusa, in cui gli spunti di ascendenza popolaresca appaiono come trasfigurati in un contesto strumentale di raffinata eleganza. Conclude il concerto un effervescente Rondò alla polacca, Allegretto, autentico fuoco d’artificio di virtuosismo strumentale. Pubblicato dall’editore Artaria di Vienna due anni dopo l’op. 30, nel 1812, il Concerto n. 2 in La maggiore op. 36 è un lavoro che, pur ricalcando per molti aspetti la forma e le modalità di scrittura strumentale del precedente, con il quale condivide anche la tonalità di La maggiore, prediletta da Giuliani, se ne distacca tuttavia per una concezione più introversa e complessa, di carattere eminentemente lirico. Tutto ciò appare evidente fin dall’introduzione orchestrale del Maestoso iniziale, in cui la distesa cantabilità dell’op. 30 cede il posto ad un melodizzare più spezzato, già presago di una nuova sensibilità. Anche il secondo movimento, Andantino, di straordinaria raffinatezza timbrica, abbandona le maniere suadenti
del movimento analogo dell’op. 30 per cercare una sua espressività più ricercata. Il finale, Rondò, Allegretto, si svolge su andamenti di marcia, e senza rinunciare affatto al virtuosismo mostra una concezione armonica decisamente aggiornata e un uso assai moderno del cromatismo. Danilo Prefumo La Famiglia Pons e la chitarra “Pons l’aîné” - Parigi - 1825 César Pons, nativo di Parigi, costruttore di chitarre, violini, arpe e ghironde ebbe due figli, anch’essi liutai: Joseph e Louis David. Quest’ultimo fu attivo a Grenoble per la maggior parte della sua vita, unitamente al padre César. Più intraprendente e dinamico fu il primogenito Joseph che lascio’ la provinciale Grenoble alla volta di Parigi alla ricerca di una clientela più elitaria, in grado di apprezzare in pieno la qualità del suo lavoro. È certo che il fratello Louis David, forse unitamente al padre César, raggiunse per un certo periodo Joseph a Parigi, probabilmente per aiutarlo a soddisfare le innumerevoli commesse. Joseph, che fino ad allora aveva firmato i suoi strumenti con l’appellativo di ”Pons fils” (Pons figlio) come del resto faceva Louis David a Grenoble, all’arrivo di quest’ultimo a Parigi, per distinguersi, prese a firmare i suoi strumenti con l’appellativo di “Pons l’aîné“ (Pons il primogenito). Di conseguenza Louis David cambio’ il suo appellativo da “Pons fils” a “Pons jeune” (Pons il giovane ). La chitarra “Pons l’aîné”, datata 1825, che il maestro Edoardo Catemario ha usato per l’incisione dei primi due concerti di Giuliani fu costruita da Joseph Pons a Parigi, nell’anno 1825, seguendo un progetto costruttivo sperimentato già qualche anno prima. Infatti, questa chitarra è praticamente la gemella di quella costruita dallo stesso - Joseph per l’Imperatrice Marie-Louise d’Asburgo, moglie di Napoleone e poi da questa donata al virtuoso Mauro Giuliani, che ne fece uno dei suoi strumenti preferiti. 14
Non solo il modello usato e’ lo stesso, ma lo sono anche i diversi legni utilizzati per l’intera costruzione. Inoltre anche gli elementi strutturali interni sono costruiti, dimensionati e posizionati allo stesso modo. Da notare, in particolar modo, la paletta la quale rivela, nella raffinata realizzazione del sistema di accordatura, le stesse caratteristiche progettuali ed esecutive. L’innovativo sistema di accordatura è costituito da sei piroli in legno di ebano muniti, sulla parte terminante, di un perno filettato e di un dado a farfalla. La corda vincolata al meccanismo, una volta raggiunta l’intonazione desiderata, viene bloccata stringendo il dado a farfalla sul perno filettato, assicurando così una tenuta più lunga dell’accordatura. Questo progetto dette risultati acustici tanto soddisfacenti da essere poi utilizzato e sviluppato anche dal migliore allievo di Joseph Pons, René Lacote. Gianni Accornero
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Edoardo Catemario and Martin Haselböck during the recording of Giuliani’s complete Concertos for Guitar and Orchestra in the Hofburgkapelle,Vienna
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Edoardo Catemario Born in Naples, Edoardo Catemario is a rare combination of technique and musicality in the purest sense of the term. He is recognized as an amazing virtuoso and as the heir of the famous historical Neapolitan school. After being awarded in some of the most important European guitar competitions (among other he won the first prize at the “Andres Segovia” contest of Almuñecar - Granada in 1991 and at the contest of Alessandria in 1992), Catemario started a successful career with concerts in the main halls worldwide and many recordings. Catemario is also appraised as an excellent teacher and he held Master Classes in France, Spain, Italy and Austria. He has been professor in the “Conservatoire International de Paris” and he collaborates with Salzburg’s Mozarteum where he teaches during the Summer Academy.
Edoardo Catemario Der in Neapel geborene Edoardo Catemario vereint eine seltene Kombination zwischen Technik und Musikalität im reinsten Sinne. Ein verblüffender Virtuose, der als Erbe par excellence der famosen historischen Napolitanischen Schule gilt. Nachdem er die prestigeträchtigsten Gitarren-Wettbewerbe in Europa gewann (u.a. Erster Preis “Andres Segovia” in Granada 1991 und Alessadria 1992), begann er eine fulminante Karriere mit Konzerten in den renommiertesten Konzertsälen der Welt und nahm zahlreiche CDs auf. Catemario wird ebenfalls als exzellenter Pädagoge geschätzt: Er gab Meisterkurse in Frankreich, Spanien, Italien und Österreich. Er war Professor am “Conservatoire International de Paris” und während einer Sommerakademie am Salzburger Mozarteum.
Martin Haselböck The Viennese conductor, organist and harpsichordist Martin Haselböck is music director of the Wiener Akademie, which he established in 1985 to pursue his interest of performing early music on period instruments. He is also conductor-in-residence of the Hamburg Symphony. In 2004 he makes his conducting debuts with the San Francisco Symphony, the Detroit and Toronto Symphony and the Los Angeles Philharmonic, and conducts operas in Spain, Germany and Austria, including his second Handel Opera at the Salzburg Festival. As an organist he has been a soloist with major orchestras under conductors including Claudio Abbado, Wolfgang Sawallisch and Lorin Maazel. He has recorded more than 70 solo CDs and has inaugurated new concert organs in Athens, Nagoya, Treviso and Los Angeles. He is professor at the University for Music in Vienna and is also the Vienna court organist.
Martin Haselböck Der Wiener Dirigent, Organist und Cembalist Martin Haselböck ist musikalischer Direktor der Wiener Akademie, die er 1985 gründete, um Musik aus dem Barock und der Klassik auf Original-Instrumenten aufzuführen. Er ist außerdem conductor-in-residence der Hamburger Symphoniker. In 2004 hat er zahlreiche Debüts, unter anderem mit dem San Francisco Symphony, dem Detroit und Toronto Symphony sowie dem Los Angeles Philharmonic; auch dirigiert er Opern in Spanien, Deutschland und Österreich (so z.B. seine zweite Händel Oper bei den Salzburger Festspielen). Als Organist war er bei zahlreichen Orchestern Solist, unter anderem unter der Leitung von Claudio Abbado, Wolfgang Sawallisch und Lorin Maazel. Er nahm bereits mehr als 70 CDs auf und eröffnete neue Konzert-Orgeln in Athen, Nagoya, Treviso und Los Angeles. Er ist Professor an der Musikhochschule Wien und ist in Wien ebenfalls Hoforganist.
Wiener Akademie The Wiener Akademie has established itself as one of the leading European ensembles performing early music. As well as its residency at the Musikverein in its home city, the orchestra performs regularly throughout Europe and beyond. The Akademie has been involved in the discoveries and first modern perfomances of majors works including oratorios by Fux, Porpora and Eybler as well as repertoire, including Biber cantatas rediscovered in Kiev in 2000, from the Archives of the Berlin Singakademie. Just to mention the 2004 program, the Akademie takes part in productions of Handel’s Radamisto, Mozart’s Il Re pastore and Zaïde and Georg Anton Benda’s Il buon marito and performs at festivals in Salzburg,Vienna, Istanbul, Jerusalem,Venice, Salamanca, Bilbao and Paris.
Wiener Akademie Die Wiener Akademie hat sich als eines der führenden Ensembles zur Aufführung von Musik aus dem Barock und der Klassik etabliert. Sie hat regelmäßige Auftritte sowohl in ihrer Heimat im Musikverein in Wien als auch überall in Europa und anderen Kontinenten. Die Akademie war beteiligt an der Entdeckung und Erstaufführung großer Werke, u.a. Oratorien von Fux, Porpora und Eybler, sowie den 2000 in Kiev aus dem Archiv der Berliner Singakademie wiedergefundenen Kantaten von Biber. Nur um einige Werke aus dem Programm 2004 zu nennen: Die Akademie nimmt an den Aufführungen von Händels Radamisto, Mozarts Il Re pastore und Zaïde sowie Georg Anton Bendas Il buon marito teil. Auch wird das Ensemble bei den Festivals von Salzburg, Wien, Istanbul, Jerusalem,Venedig, Salamanca, Bilbao und Paris eingeladen werden.
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Edoardo Catemario and Martin Haselböck during the recording of Giuliani’s complete Concertos for Guitar and Orchestra in the Hofburgkapelle,Vienna
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Edoardo Catemario Born in Naples, Edoardo Catemario is a rare combination of technique and musicality in the purest sense of the term. He is recognized as an amazing virtuoso and as the heir of the famous historical Neapolitan school. After being awarded in some of the most important European guitar competitions (among other he won the first prize at the “Andres Segovia” contest of Almuñecar - Granada in 1991 and at the contest of Alessandria in 1992), Catemario started a successful career with concerts in the main halls worldwide and many recordings. Catemario is also appraised as an excellent teacher and he held Master Classes in France, Spain, Italy and Austria. He has been professor in the “Conservatoire International de Paris” and he collaborates with Salzburg’s Mozarteum where he teaches during the Summer Academy.
Edoardo Catemario Der in Neapel geborene Edoardo Catemario vereint eine seltene Kombination zwischen Technik und Musikalität im reinsten Sinne. Ein verblüffender Virtuose, der als Erbe par excellence der famosen historischen Napolitanischen Schule gilt. Nachdem er die prestigeträchtigsten Gitarren-Wettbewerbe in Europa gewann (u.a. Erster Preis “Andres Segovia” in Granada 1991 und Alessadria 1992), begann er eine fulminante Karriere mit Konzerten in den renommiertesten Konzertsälen der Welt und nahm zahlreiche CDs auf. Catemario wird ebenfalls als exzellenter Pädagoge geschätzt: Er gab Meisterkurse in Frankreich, Spanien, Italien und Österreich. Er war Professor am “Conservatoire International de Paris” und während einer Sommerakademie am Salzburger Mozarteum.
Martin Haselböck The Viennese conductor, organist and harpsichordist Martin Haselböck is music director of the Wiener Akademie, which he established in 1985 to pursue his interest of performing early music on period instruments. He is also conductor-in-residence of the Hamburg Symphony. In 2004 he makes his conducting debuts with the San Francisco Symphony, the Detroit and Toronto Symphony and the Los Angeles Philharmonic, and conducts operas in Spain, Germany and Austria, including his second Handel Opera at the Salzburg Festival. As an organist he has been a soloist with major orchestras under conductors including Claudio Abbado, Wolfgang Sawallisch and Lorin Maazel. He has recorded more than 70 solo CDs and has inaugurated new concert organs in Athens, Nagoya, Treviso and Los Angeles. He is professor at the University for Music in Vienna and is also the Vienna court organist.
Martin Haselböck Der Wiener Dirigent, Organist und Cembalist Martin Haselböck ist musikalischer Direktor der Wiener Akademie, die er 1985 gründete, um Musik aus dem Barock und der Klassik auf Original-Instrumenten aufzuführen. Er ist außerdem conductor-in-residence der Hamburger Symphoniker. In 2004 hat er zahlreiche Debüts, unter anderem mit dem San Francisco Symphony, dem Detroit und Toronto Symphony sowie dem Los Angeles Philharmonic; auch dirigiert er Opern in Spanien, Deutschland und Österreich (so z.B. seine zweite Händel Oper bei den Salzburger Festspielen). Als Organist war er bei zahlreichen Orchestern Solist, unter anderem unter der Leitung von Claudio Abbado, Wolfgang Sawallisch und Lorin Maazel. Er nahm bereits mehr als 70 CDs auf und eröffnete neue Konzert-Orgeln in Athen, Nagoya, Treviso und Los Angeles. Er ist Professor an der Musikhochschule Wien und ist in Wien ebenfalls Hoforganist.
Wiener Akademie The Wiener Akademie has established itself as one of the leading European ensembles performing early music. As well as its residency at the Musikverein in its home city, the orchestra performs regularly throughout Europe and beyond. The Akademie has been involved in the discoveries and first modern perfomances of majors works including oratorios by Fux, Porpora and Eybler as well as repertoire, including Biber cantatas rediscovered in Kiev in 2000, from the Archives of the Berlin Singakademie. Just to mention the 2004 program, the Akademie takes part in productions of Handel’s Radamisto, Mozart’s Il Re pastore and Zaïde and Georg Anton Benda’s Il buon marito and performs at festivals in Salzburg,Vienna, Istanbul, Jerusalem,Venice, Salamanca, Bilbao and Paris.
Wiener Akademie Die Wiener Akademie hat sich als eines der führenden Ensembles zur Aufführung von Musik aus dem Barock und der Klassik etabliert. Sie hat regelmäßige Auftritte sowohl in ihrer Heimat im Musikverein in Wien als auch überall in Europa und anderen Kontinenten. Die Akademie war beteiligt an der Entdeckung und Erstaufführung großer Werke, u.a. Oratorien von Fux, Porpora und Eybler, sowie den 2000 in Kiev aus dem Archiv der Berliner Singakademie wiedergefundenen Kantaten von Biber. Nur um einige Werke aus dem Programm 2004 zu nennen: Die Akademie nimmt an den Aufführungen von Händels Radamisto, Mozarts Il Re pastore und Zaïde sowie Georg Anton Bendas Il buon marito teil. Auch wird das Ensemble bei den Festivals von Salzburg, Wien, Istanbul, Jerusalem,Venedig, Salamanca, Bilbao und Paris eingeladen werden.
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Edoardo Catemario Né à Naples, Edoardo Catemario est une rare combination entre technique et musicalité dans le sens le plus pur du terme. Fabuleux virtuose, il est reconnu comme l’héritier de la fameuse école historique Napolitaine. Après avoir gagné les plus prestigieux concours de guitare en Europe (entre autres le Premier Prix aux concours “Andres Segovia” à Grenade en 1991 et Alessandria en 1992), il débuta une fulminante carrière dans les salles de concert les plus importantes et enregistra de nombreux disques. Catemario est un excellent pédagogue et a tenu des masterclasses en France, Espagne, Italie et Autriche. Il a été professeur au “Conservatoire International de Paris” et pendant une académie d’été au Mozarteum de Salzburg.
Edoardo Catemario Nato a Napoli, Edoardo Catemario si presenta come una rara combinazione di tecnica e musicalità nel più puro senso del termine. E’ conosciuto come grande virtuoso ed erede della famosa e storica scuola napoletana. Dopo essere stato premiato in alcuni dei più importanti concorsi europei di chitarra (fra gli altri ha vinto il primo premio al concorso Andres Segovia di Almuñecar - Granada nel 1991 e al concorso di Alessandria nel 1992), Catemario ha iniziato una brillante carriera con concerti nelle più importanti sale da concerto del mondo e numerose registrazioni. Catemario è inoltre un apprezzato insegnante e ha tenuto master class in Francia, Spagna, Italia e Austria. E’ stato professore al “Conservatoire International de Paris” e collabora con il Mozarteum di Salisburgo dove insegna nelle Accademie estive.
Martin Haselböck Le chef d’orchestre, organiste et claveciniste viennois Martin Haselböck est directeur musical de la Wiener Akademie, qu’il fonda en 1985 en vue de jouer la musique baroque et classique sur des instruments de cette période. Il est également conductor-in-residence de l’orchestre symphonique de Hambourg. En 2004, il débute avec les orchestres symphoniques de San Francisco, Detroit et Toronto ainsi qu’avec le philharmonique de Los Angeles; aussi dirige-t’il des opéras en Espagne, Allemagne et Autriche (entre autres son deuxième opéra de Händel lors du festival de Salzbourg). Il a été organiste solo avec de nombreux orchestres et sous la direction de chefs comme Claudio Abbado, Wolfgang Sawallisch ou Lorin Maazel. Il enregistra déjà plus que 70 CDs et inaugura de nouvelles orgues de concert à Athènes, Nagoya, Treviso et Los Angeles. Il est professeur au conservatoire de Vienne et est également organiste à la cour de Vienne.
Martin Haselböck Il direttore, organista e clavicembalista viennese Martin Haselböck ha diretto la Wiener Akademie dalla sua fondazione nel 1985, con l’intento di creare un gruppo che suonasse la musica barocca e classica con strumenti dell’epoca. È ugualmente direttore residente dell’Orchestra Sinfonica di Amburgo ed ha debuttato nel 2004 con le orchestre sinfoniche di San Francisco, Detroit, Toronto oltre che con la Filarmonica di Los Angeles; dirige inoltre opere in Spagna, Germania, Austria (fra l’altro la sua seconda opera di Haendel al Festival di Salisburgo). Come organista ha suonato con numerose orchestra per la bacchetta di Direttori quali Claudio Abbado, Wolfgang Sawallisch o Lorin Maazel. Ha registrato più di 70 CD ed ha inaugurato i nuovi organi da concerto delle città di Atene, Nagoya, Treviso e Los Angeles. È professore al Conservatorio di Vienna ed è anche organista alla Hofburgkapelle di Vienna.
Wiener Akademie La Wiener Akademie est devenu l’un des meilleurs ensembles pour la représentation de musique baroque et classique. Elle a régulièrement des concerts chez elle au Musikverein de Vienne ainsi que dans le reste de l’europe et d’autres continents. L’ Akademie a pris part à la redécouverte et la création de grandes œuvres, comme par exemple des oratorios de Fux, Porpora et Eybler ou des cantates de Biber des archives de la Berliner Singakademie, retrouvées en 2000 à Kiev. Quelques escales de l’ensemble pour 2004: Radamisto de Händel, Il Re pastore et Zaïde de Mozart ainsi que Il buon marito de Georg Anton Benda. La Wiener Akademie sera invitée aux festivals de Salzburg,Vienne, Istanbul, Jerusalem,Venise, Salamanque, Bilbao et Paris.
Wiener Akademie La Wiener Akademie si è posizionata come una delle massime orchestre europee per l’esecuzione di musica barocca e classica. Oltre ad essere orchestra residente nella celebre sala del Musikverein di Vienna, suona in tutta Europa e negli altri continenti. La Wiener Akademie ha preso parte alla scoperta e prima esecuzione moderna di capolavori quali oratori di Fux, Porpora, Eybler o cantate di Biber, tratti da manoscritti ritrovati a Kiev nel 2000 e provenienti dalla Singakademie di Berlino. Menzionando solo l’attività del 2004, vanno segnalate le produzioni del Radamisto di Haendel, de Il Re Pastore e Zaide di Mozart o Il Buon marito di Benda, con esecuzioni ai festival di Salisburgo,Vienna, Istanbul, Gerusalemme,Venezia, Salamanca, Bilbao e Parigi 18
Other available recordings with Edoardo Catemario on ARTS
47660-2: Rodrigo, Martin, Tansman, Castelnuovo-Tedesco, Ponce, Casares Guitar XX “Catemario at the top of his form ... A most attractive disc all around” classicstoday.com “The performances are consistently spirited and energetic, and Catemario’s charisma comes through even on recording. His technique is formidable and his tempos fearless” American Record Guide “Formidable Edoardo Catemario” Contrappunti 47670-2: Castelnuovo-Tedesco, Paganini, Giuliani, Regondi, Legnani – Italian Virtuoso “The performances are consistently spirited and energetic, and Catemario’s charisma comes through even on recording. His technique is formidable and his tempos fearless” American Record Guide “The interpretation of this music is sparkling and full of fireworks” Compact Disc Classics
47358-2: Abril, Ponce, Rodrigo – Guitar Concertos “... Absolutely lovely tone at all dynamic levels ... A relay find that no lover of Spanish guitar Music can afford to miss. This fine collection deserves very serious consideration ... 9/9” classicstoday.com “An elegance and sensibility without equal” Nuova e Nostra
47559-2: Piazzolla – Complete Works for Guitar Editor’s choice in CD Classica: “Optimum to exceptional interpretation. Fabbriciani with his great sensibility and Catemario with his formidable sense for sound are the ideal interprets of this music” “Fluid, sweet and emotional interpretations” RITMO
47356-2: Scarlatti, Pergolesi, Durante – Barocco Napoletano “Catemario’s technically flawless, imaginative performances here testify to his talent and accomplishment as a musician likely to be comfortable in any period ... 9/9” classicstoday.com “Edoardo Catemario is a fine guitarist who plays cleanly and with real musicality ... excellent technique ... The sound is very good - alive and realistic.” American Record Guide “A well done twinkle to the napolitan music of the 18th century ... sweetness and lyrism of Catemario’s playing” Les Cahiers de la Guitare et de la Musique
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Edoardo Catemario Né à Naples, Edoardo Catemario est une rare combination entre technique et musicalité dans le sens le plus pur du terme. Fabuleux virtuose, il est reconnu comme l’héritier de la fameuse école historique Napolitaine. Après avoir gagné les plus prestigieux concours de guitare en Europe (entre autres le Premier Prix aux concours “Andres Segovia” à Grenade en 1991 et Alessandria en 1992), il débuta une fulminante carrière dans les salles de concert les plus importantes et enregistra de nombreux disques. Catemario est un excellent pédagogue et a tenu des masterclasses en France, Espagne, Italie et Autriche. Il a été professeur au “Conservatoire International de Paris” et pendant une académie d’été au Mozarteum de Salzburg.
Edoardo Catemario Nato a Napoli, Edoardo Catemario si presenta come una rara combinazione di tecnica e musicalità nel più puro senso del termine. E’ conosciuto come grande virtuoso ed erede della famosa e storica scuola napoletana. Dopo essere stato premiato in alcuni dei più importanti concorsi europei di chitarra (fra gli altri ha vinto il primo premio al concorso Andres Segovia di Almuñecar - Granada nel 1991 e al concorso di Alessandria nel 1992), Catemario ha iniziato una brillante carriera con concerti nelle più importanti sale da concerto del mondo e numerose registrazioni. Catemario è inoltre un apprezzato insegnante e ha tenuto master class in Francia, Spagna, Italia e Austria. E’ stato professore al “Conservatoire International de Paris” e collabora con il Mozarteum di Salisburgo dove insegna nelle Accademie estive.
Martin Haselböck Le chef d’orchestre, organiste et claveciniste viennois Martin Haselböck est directeur musical de la Wiener Akademie, qu’il fonda en 1985 en vue de jouer la musique baroque et classique sur des instruments de cette période. Il est également conductor-in-residence de l’orchestre symphonique de Hambourg. En 2004, il débute avec les orchestres symphoniques de San Francisco, Detroit et Toronto ainsi qu’avec le philharmonique de Los Angeles; aussi dirige-t’il des opéras en Espagne, Allemagne et Autriche (entre autres son deuxième opéra de Händel lors du festival de Salzbourg). Il a été organiste solo avec de nombreux orchestres et sous la direction de chefs comme Claudio Abbado, Wolfgang Sawallisch ou Lorin Maazel. Il enregistra déjà plus que 70 CDs et inaugura de nouvelles orgues de concert à Athènes, Nagoya, Treviso et Los Angeles. Il est professeur au conservatoire de Vienne et est également organiste à la cour de Vienne.
Martin Haselböck Il direttore, organista e clavicembalista viennese Martin Haselböck ha diretto la Wiener Akademie dalla sua fondazione nel 1985, con l’intento di creare un gruppo che suonasse la musica barocca e classica con strumenti dell’epoca. È ugualmente direttore residente dell’Orchestra Sinfonica di Amburgo ed ha debuttato nel 2004 con le orchestre sinfoniche di San Francisco, Detroit, Toronto oltre che con la Filarmonica di Los Angeles; dirige inoltre opere in Spagna, Germania, Austria (fra l’altro la sua seconda opera di Haendel al Festival di Salisburgo). Come organista ha suonato con numerose orchestra per la bacchetta di Direttori quali Claudio Abbado, Wolfgang Sawallisch o Lorin Maazel. Ha registrato più di 70 CD ed ha inaugurato i nuovi organi da concerto delle città di Atene, Nagoya, Treviso e Los Angeles. È professore al Conservatorio di Vienna ed è anche organista alla Hofburgkapelle di Vienna.
Wiener Akademie La Wiener Akademie est devenu l’un des meilleurs ensembles pour la représentation de musique baroque et classique. Elle a régulièrement des concerts chez elle au Musikverein de Vienne ainsi que dans le reste de l’europe et d’autres continents. L’ Akademie a pris part à la redécouverte et la création de grandes œuvres, comme par exemple des oratorios de Fux, Porpora et Eybler ou des cantates de Biber des archives de la Berliner Singakademie, retrouvées en 2000 à Kiev. Quelques escales de l’ensemble pour 2004: Radamisto de Händel, Il Re pastore et Zaïde de Mozart ainsi que Il buon marito de Georg Anton Benda. La Wiener Akademie sera invitée aux festivals de Salzburg,Vienne, Istanbul, Jerusalem,Venise, Salamanque, Bilbao et Paris.
Wiener Akademie La Wiener Akademie si è posizionata come una delle massime orchestre europee per l’esecuzione di musica barocca e classica. Oltre ad essere orchestra residente nella celebre sala del Musikverein di Vienna, suona in tutta Europa e negli altri continenti. La Wiener Akademie ha preso parte alla scoperta e prima esecuzione moderna di capolavori quali oratori di Fux, Porpora, Eybler o cantate di Biber, tratti da manoscritti ritrovati a Kiev nel 2000 e provenienti dalla Singakademie di Berlino. Menzionando solo l’attività del 2004, vanno segnalate le produzioni del Radamisto di Haendel, de Il Re Pastore e Zaide di Mozart o Il Buon marito di Benda, con esecuzioni ai festival di Salisburgo,Vienna, Istanbul, Gerusalemme,Venezia, Salamanca, Bilbao e Parigi 18
Other available recordings with Edoardo Catemario on ARTS
47660-2: Rodrigo, Martin, Tansman, Castelnuovo-Tedesco, Ponce, Casares Guitar XX “Catemario at the top of his form ... A most attractive disc all around” classicstoday.com “The performances are consistently spirited and energetic, and Catemario’s charisma comes through even on recording. His technique is formidable and his tempos fearless” American Record Guide “Formidable Edoardo Catemario” Contrappunti 47670-2: Castelnuovo-Tedesco, Paganini, Giuliani, Regondi, Legnani – Italian Virtuoso “The performances are consistently spirited and energetic, and Catemario’s charisma comes through even on recording. His technique is formidable and his tempos fearless” American Record Guide “The interpretation of this music is sparkling and full of fireworks” Compact Disc Classics
47358-2: Abril, Ponce, Rodrigo – Guitar Concertos “... Absolutely lovely tone at all dynamic levels ... A relay find that no lover of Spanish guitar Music can afford to miss. This fine collection deserves very serious consideration ... 9/9” classicstoday.com “An elegance and sensibility without equal” Nuova e Nostra
47559-2: Piazzolla – Complete Works for Guitar Editor’s choice in CD Classica: “Optimum to exceptional interpretation. Fabbriciani with his great sensibility and Catemario with his formidable sense for sound are the ideal interprets of this music” “Fluid, sweet and emotional interpretations” RITMO
47356-2: Scarlatti, Pergolesi, Durante – Barocco Napoletano “Catemario’s technically flawless, imaginative performances here testify to his talent and accomplishment as a musician likely to be comfortable in any period ... 9/9” classicstoday.com “Edoardo Catemario is a fine guitarist who plays cleanly and with real musicality ... excellent technique ... The sound is very good - alive and realistic.” American Record Guide “A well done twinkle to the napolitan music of the 18th century ... sweetness and lyrism of Catemario’s playing” Les Cahiers de la Guitare et de la Musique
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Mauro Giuliani MAURO GIULIANI (1781-1829)
Concerto for Guitar and Orchestra No. 1 in A op. 30 Concerto for Guitar and Orchestra No. 2 in A op. 36
Concertos for Guitar and Orchestra Nos. 1 & 2
Edoardo Catemario (Guitars, Gitarren, Guitares, Chitarre)
Wiener Akademie Martin Haselböck
(Conductor, Dirigent, Chef d’orchestre, Direttore) Recording: Hofburgkapelle, Vienna (Austria) - 11 . 2002 Production and Recording Supervision/Produktion und Aufnahmeleitung Directeur de la production et de l’enregistrement/Direttore della produzione e della registrazione Gian Andrea Lodovici Sound Engineer/Tonmeister/Ingénieur du son/Tecnico del suono Matteo Costa Front cover photo: Giacomo Lombardo
Edoardo
Catemario
Wiener Akademie Martin Haselböck
47688-8
Audiophile Recording see details inside
Performed with Original Instruments
